Un documental biográfico sobre Ozzy Osbourne llegará a las pantallas de A&E el próximo 7 de septiembre titulado, ‘The Nine Lives of Ozzy Osbourne’, mostrando la vida y carrera del icono del metal.
El documental fue anunciado originalmente en enero y programado para estrenarse en el festival SXSW en marzo, sin embargo, el evento fue cancelado debido a la pandemia por el coronavirus.
La película combinará imágenes de archivo con nuevas entrevistas, incluyendo la aparición de Ozzy y su familia (Sharon, Jack y Kelly), Marilyn Manson, Rick Rubin, Post Malone, Rob Zombie, Jonathan Davies, Ice-T, entre otros.
Mediante un comunicado de prensa se reveló, “Biography: The Nine Lives of Ozzy Osbourne, sigue la vida de Ozzy desde su niñez en la pobreza y tiempo en prisión hasta liderar la icónica banda de metal, Black Sabbath y su exitosa carrera como solista”.
Por otro lado, Ozzy se encuentra trabajando en un nuevo álbum de acuerdo con Sharon, el músico se encontraría en los estudios con Andrew Watt y “volviéndose más fuerte cada día”, después de una serie de incidentes de salud.
La banda Muse llevó su octavo álbum de estudio Simulation Theory Tour a más de 28 países y tocó frente a más de 1 millón de personas. Si te perdiste alguno de estos conciertos pues ahora podrás ver el espectáculo en la película que se exhibirá por los países de Europa y Estados unidos el 17 y 21 de agosto en plataformas digitales o salas de IMAX.
La sinopsis de Simulation Theory: The IMAX Experience trata sobre un equipo de científicos que investigan la fuente de una anomalía paranormal que aparece en todo el mundo. Esta cinta está dirigida por el colaborador de la banda, Lance Drake, y se centrará en el concierto que Matt, Dom y Chris dieron en la O2 Arena de Londres en 2019, pero además de captar la actuación de la banda, la película también contará una historia inspirada en las canciones de su más reciente álbum.
“El objetivo de Simulation Theory era capturar la escala del electrizante show en vivo y expandir su conexión con el ADN del mundo que construimos durante los últimos tres años en videos musicales para Muse”, explica el director Lance Drake.
Los fanáticos de Muse se sumergirán en un mundo cinematográfico de alcance y claridad inigualables, rodeados de audio de precisión de próxima generación que ofrece una afinación perfecta y una precisión milimétrica en cines IMAX de diseño personalizado, según detalla la descripción de la banda Muse.
La banda Muse es conocida por sus extravagantes espectáculos en vivo, por fusionar géneros musicales como el rock alternativo, rock espacial, rock progresivo, rock sinfónico y electrónica, además por los atípicos intereses de Bellamy en la conspiración global, la revolución, la astrofísica, vida extraterrestre, pensamientos humanos y la idea de un fin del mundo simbólico; temas que se ven reflejados en sus letras. Así que imagina que te espera.
Las salas contaran con las medidas de seguridad pauteadas por las entidades gubernamentales, entre ellas destaca el uso de máscaras por parte de los empleados, el distanciamiento social y las limitaciones de capacidad, así como mayores esfuerzos de saneamiento.
Brian May se asoció con una gran cantidad de guitarristas en línea a principios de esta semana para jugar con la canción de Queen, Bohemian Rapsody.
Ahora sigue la nota, pero escuchen, porque es BRUTAL
La actuación contó con Nuno Bettencourt de Generation Axe , Steve Vai , Zakk Wylde , Tosin Abasi de Animals As Leaders e Yngwie Malmsteen , y fue parte del especial de TV de AXS At Home And Social With Nuno Bettencourt & Friends .
El programa fue creado por AXS TV para recaudar fondos para la iniciativa Crew Nation de la Fundación Music Forward , que está apoyando a los equipos de giras y locales que están luchando debido al bloqueo en la industria de la música debido a la pandemia de coronavirus.
También aparecieron en el programa Nancy Wilson de Heart , el baterista de Foo Fighters Taylor Hawkins, la cantante / compositora Liv Warfield, Julian Lennon y la cantante Gabriela.
Al presentar el espectáculo, Bettencourt dijo: “Hasta que los artistas podamos volver a casa a nuestro escenario, el 3 de agosto, con un poco de imaginación y mucha pasión, nuestros hogares se convertirán en nuestro escenario.
«Espero que todos tengamos un seguro para propietarios de viviendas porque estamos quitando el techo del lugar».Junto con la música, el programa de una hora de duración contó con entrevistas, anécdotas detrás de escena y más, lo que les dio a los fanáticos de la música un vistazo a las vidas de los artistas.
Es justo decir que con los Yardbirds, las sesiones en el estudio y, por supuesto, Led Zeppelin, Jimmy Page influyó en miles y miles de músicos. La imagen del icónico guitarrista estaba en las paredes de las habitaciones de todo el mundo y su música todavía se transmite a través de altavoces en todo el planeta.
Sin embargo, todos los íconos tienen sus héroes, y durante una conversación para el libro de Bob Boilen, Your Song Changed My Life , donde el veterano periodista habla con algunos de los héroes de la música sobre sus propias canciones favoritas. Cuando le preguntó a Page, la respuesta se volvió bastante obvia.
Como la mayoría de los «rockers» de su edad, cuando Jimmy Page era un niño, el rock ‘n’ roll estaba tan lejos de Gran Bretaña que ni siquiera se escuchaba en la radio. Cuando tenía ocho años, Page se mudó de casa y, al llegar a su nueva habitación, se encontró con una guitarra sobrante de los residentes anteriores. Aunque el joven Page no tenía ningún interés en el instrumento, lo mantuvo a mano.
Por supuesto, el rock ‘n’ roll eventualmente aterrizaría en las costas británicas y el propio Page haría un buen trabajo al aportar su propio sabor al nuevo sonido. De hecho, Page se sumergió en cada pieza del delta blues que pudo encontrar, dándose una educación vital como lo hizo. Pero como Boilen reveló a Rolling Stone, «Muchos británicos de esa edad hablan sobre la música skiffle [y] Lonnie Donegan era el rey».
Sin embargo, había algo diferente en la relación de Page con el cantante escocés que trajo el rock ‘n’ roll a Gran Bretaña. «Pero no fue hasta que comencé a pensar en cómo Donegan cambió el blues y ‘lo subió’ que hice la conexión con cómo Jimmy Page tomó Donegan y lo electrificó con efectos impactantes y duraderos».
Sin embargo, Page nunca tuvo la intención de convertirse en una versión británica de un producto estadounidense: “Quería tener mi propio enfoque de lo que hacía. No quería … hacer una copia al carbón de BB King, pero realmente amo el blues. El blues tuvo mucho efecto en mí y solo quería hacer mi propia contribución a mi manera «.
La versión de Lonnie Donnegan del estándar de blues ‘Rock Island Line’, una canción sobre dos instituciones de Chicago, Rock Island y Pacific Railroad Line, que se hizo famosa por Lead Belly, llegó a la radio. Page ciertamente lo escuchó muchas veces. Pero no fue hasta que un amigo de Page, Rod Wyatt, tocó la canción en vivo que algo en Page se encendió.
Page le contó a Wyatt sobre la guitarra que tenía en casa y Wyatt le prometió que podía afinar y ayudar a Page a tocar el instrumento . «Era una guitarra de fogata … pero tenía todas las cuerdas, lo cual es bastante útil porque no habría sabido de dónde conseguirlas», recuerda Page. «Y luego Rod me mostró cómo afinarlo … y luego comencé a rasguear como si no fuera Lonnie Donegan, pero estaba intentando».
«Él realmente entendió todas esas cosas, Lonnie Donegan», le dice Page a Boilen. “Pero esta es la forma en que, deberíamos decir, lo animó o lo esquivó. Para cuando llegas al final de esto, realmente lo está escupiendo … sigue cantando ‘Rock Island line, Rock Island’ y realmente entiendes todo este aspecto entrecortado. ¡Es fantástico! Muchos guitarristas de los años sesenta dirán que Lonnie Donegan fue su influencia «.
NEW YORK: Concierto de The Runaways en el CBGB’s club in New York el 2 de agosto de 1976. De izquierda a derecha: Joan Jett, Jackie Fox, Cherie Currie, Lita Ford (Fotografia: Richard E. Aaron/Redferns)
Llegar a lo más alto del rock no es cosa fácil. Ya lo dijo AC/DC en su segundo disco T.N.T: “It’s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock ’n’ Roll)”. No sólo se trata de talento, sino también de superar incontables barreras que se presentan en el camino a la fama. Pero hay un grupo de rock, que la tuvo especialmente difícil, y que ante todo pronóstico, cambiaron la historia del género. Estamos hablando de The Runaways, la primera banda de hard rock hecha por puras mujeres.
Como San Astor manda, acá la música para acompañar la nota
The Runaways, mucho más que una banda de hard rock, es una historia de remar contra corriente, de desafiar las costumbres, y de sobresalir en una industria dominada por hombres. Al final del día, el rock en los 70 no era muy diverso en términos de género que digamos y la mujer era mejor vista como la groupie que sigue a la banda a donde quiera que fueran.
Específicamente, en el año de 1975 fue cuando comenzó a escribirse la historia de The Runaways. Fueron Joan Jett y Sandy West (guitarra y batería) quienes se juntaron de la mano del productor Kim Fowley por primera vez. The Runaways, un grupo de rock de mujeres, eran una visión de Fowley, pero realmente fue la chispa entre ambas la que hizo funcionar a la banda.
Posteriormente, se les unió Jackie Fox, quien sustituyó a Miki Steele, y finalmente entraron Cherie Currie en voz y la poderosa guitarra de Lita Ford. Oficialmente, el primer gurpo de rock compuesto únicamente por mujeres se había formado. Había llegado una fuerza que chocaba con el mundo masculino del rock, pero con lo que el mundo no contaba, es que este quinteto de mujeres esta más que listo para hacer verdadero hard rock. Mejor que el que muchas bandas lo hicieron en aquellos tiempos.
Tan sólo un año después de su formación, The Runaways lanzaría su álbum debut homónimo con rolas como “Cherry Bomb” o “You Drive Me Wild” consiguiendo un éxito moderado en Estados Unidos. Esto les bastó para conseguir abrirle a grupos como The Ramones o Van Halen, sin embargo nunca llegaron a conseguir el respeto que se merecían. Siendo abucheadas y humilladas en algunas de sus presentaciones. Y sí, por ser mujeres…
Por más que algunos de sus fanáticos acuñen la frase “el rock es cultura”, en aquellas épocas (y un poco todavía), no había mucha cultura de inclusión en el género que digamos. En un ambiente dominado por la misoginia, no había lugar para que la industria tomara en serio a a unas adolescentes. En su momento se les catalogó como un producto prefabricado y un show de entretenimiento pese a su inminente talento.
En un lapso de cuatro años, las rockeras lanzaron cinco discos y salieron de gira recurrentemente. Si bien con su segundo disco Queens of Noise consiguieron hacerse de un nombre en la escena punk, fue en Alemania, Canadá, Australia y Japón que fueron un fenómeno.
Irónicamente, cuando la banda disfrutaba su momento más grande hasta la fecha, fue cuando se empezó a desmoronar por completo. Las chicas se encontraban de gira por Japón. Lugar que las recibió como estrellas con un especial de televisión y varios conciertos completamente vendidos.
Fue de gracias a su productor Kim Fowely, que la banda empezó a tener problemas. Jackie Fox ha declarado que él es culpable en gran parte de la ruptura de The Runaways fomentando las peleas internas en la banda y quedándose con la mayoría de las ganancias. También abusó verbal y físicamente de ellas para asegurar el control de la banda. Por otro lado, los agotadores viajes, las interminables fiestas, los tediosos ensayos y los duros conciertos terminaron por derramar el vaso.
Durante esa misma gira, fue que Jackie Fox abandonó el grupo, y Cherie Currie se salió en cuanto pusieron un pie en Estados Unidos. Tras la partida de ambas integrantes, The Runaways lanzó dos discos más antes de separarse por diferencias creativas.
Un 5 de agosto de 1967, se publica el primer álbum de la banda britanica Pink Floyd llamado »The Piper At The Gates Of Dawn». Este disco está considerado como uno de los primeros en explorar el rock psicodélico, junto con Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles, que fue grabado casi al mismo tiempo. Se le considera uno de los LP más influyentes de la escena del rock psicodélico del momento y lo que siguió.
Syd Barrett fue el compositor principal de la mayoría de los temas, pero los aportes de cada integrante de la banda fueron fundamentales. El álbum contiene letras caprichosas sobre el espacio, gatos, espantapájaros, gnomos, bicicletas y cuentos de hadas, acompañadas con secciones de música psicodélica de matices variados basados en blues, folk galés, lullabies (música clásica infantil inglesa) y experimentación sonica. El título del LP proviene de uno de los capítulos de un libro que Barrett leía de joven: The Wind In The Willows (El viento en los sauces), de Kenneth Grahame, en el que los personajes Rata y Topo se encuentran con el dios Pan, que representa la poderosa fuerza de la naturaleza, y que ayuda a los animales a encontrar una nutria perdida. En este álbum se aprecia el gusto de Barrett por las letras basadas en asociaciones mentales espontáneas, algo así como un viaje psicotrópico.
El disco cuenta con 11 canciones que van desde «Astronomy Domine», la cual habla del espacio sideral que nos rodea y su inmensidad («Jupiter and Saturn, Oberon, Miranda and Titania, Neptune, Titan, stars can frighten«) a canciones sobre gnomos («Me gustaría contarte una historia // Sobre un hombre pequeño, si puedo // Un gnomo llamado Grimble Gromble«), pasando por todo un mundo en tan solo un LP.
Y ya que estoy, me gustaría decir, simplemente, que todo momento es bueno para escuchar Pink Floyd
Roger Taylor, el baterista de Queen, está muy activo durante la pandemia de coronavirus. Hace unos días le dijo a Raisedon Radio que ha estado trabajando como músico.
«Escribí dos canciones en mi jardín y las grabé en el estudio de mi casa. La estructura y los tonos son simples. Sólo pensé que tenía mucho tiempo libre por lo que está pasando y lo usé de manera eficiente», dijo Taylor.
En el sencillo “Isolation”, para el que tocó instrumentos e incluso cantó, el baterista de Queen dijo que reflejaba los pensamientos de hombres, mujeres y niños.
Además, el baterista dijo que está enseñando música a través de su Instagram: «Sólo enseño cosas básicas, especialmente las que no se dicen en las lecciones oficiales como aprender a sentir, entre otros secretos».
No pierdas de vista las redes sociales oficiales de Roger Taylor si quieres obtener algunos consejos y aprender de un gran maestro que ha sido miembro de Queen durante cuatro décadas.
El integrante de The Beatles, Paul McCartney, ha hablado sobre el motivo por el cuál demando a sus ex compañeros de banda en 1970.
En una nueva entrevista con el portal GQ, McCartney habló sobre lo que describe como uno de los más grandes “malentendidos” de la separación de The Beatles, argumentando que no tenía otra opción más que demandar a la banda para proteger su música.
(Mientras lees la nota, escuchate un tema)
McCartney anunció oficialmente su salida de The Beatles en abril de 1970, más tarde ese mismo año hizo una demanda en la que llamaba a la disolución formal del grupo.
Después de años de batallas legales, eventualmente ganó los derechos de la música de la banda de EMI y el productor Allen Klein, quien tomó control de los negocios de The Beatles en 1969 después de la muerte de su mánager, BrianEpstein. “Ya que hice eso, pienso que la gente creyó que fui el tipo que destruyó a The Beatles y el bastardo que demandó a sus amigos”, comentó McCartney.
“La única manera para mí de salvar a The Beatles, Apple y lanzar ‘Get Back’, que nos permitió lanzar también ‘Anthology’ y todas estas grandiosas remasterizaciones de los grandes discos de The Beatles – fue demandar a la banda”, añadió el músico.
McCartney reveló que, si no hubiera hecho aquél movimiento, The Beatles hubiera perdido los derechos de su música con seguridad, “Como pueden imaginar, eso era horrendo y me dio algunos momentos terribles. Bebí mucho e hice un poco de todo. Era una locura, pero era lo único que se podía hacer, ya que no había manera que todo el trabajo duro de una vida se desvaneciera en el aire”.
El músico dijo que la disputa legal llevó a uno de los más grandes “malentendidos” en la historia de la banda, “Supongo que cuando terminamos, quizás hubo un malentendido sobre que nos odiábamos todos. De lo que me doy cuenta ahora es que, ya que éramos una familia, una pandilla, las familias pelean y las familias tienen disputas”, añadió.
El colectivo denominado Rock en tu idioma, conformado por diversos integrantes y ex integrantes de emblemáticos grupos musicales que emergieron principalmente en la década de los 70 y 80, y que enarbolaron el género musical en Iberoamérica, está de regreso para seguir sorprendiendo a las generaciones que los han visto tocar a través de los años.
El grupo de músicos dará una presentación en vivo desde el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, importante recinto donde han desfilado importantes artistas nacionales e internacionales, el próximo 5 de septiembre para dar a conocer su nuevo álbum Rock en tu idioma Eléctrico, con el que esperan conectarse de nuevo con sus seguidores.
El proyecto que promete volver a los orígenes sónicos de las agrupaciones, pues se valdrá de instrumentación elemental, pondrá de nuevo los temas que marcaron un hito en la música en español en el radar de aquel público que los vio surgir y de las nuevas generaciones.
Así lo dio a conocer la cuenta oficial del llamado ‘coloso de Reforma’ con un mensaje esta tarde en sus redes sociales. «Prepárate para un concierto en línea sin precedentes. El colectivo Rock en tu idioma presenta nuevo disco y podrás disfrutar el streaming desde el Auditorio Nacional el 5 de septiembre».
Dicho mensaje, se acompaña con una imagen donde aparecen Bon, de Bon y los enemigos del silencio; Piro, de Ritmo peligroso; Sabo Romo, de Caifanes; Cala, de Rostros ocultos; Ugo Rodríguez, de Azul violeta; Chiquis Amaro y María Barracuda, de Jotdog; Humberto y Sergio, de Neón; y Arturo Ibarra, de Rostros ocultos, además de revelar el invitado especial: Leonardo de Lozanne.
“Presentando nuevo disco. Con los creadores de la música que te seguirá moviendo el alma. El soundtrack de tu vida”, se lee en la publicidad del evento que tiene como costo en su Fase 1 de $150.00 pesos mexicanos y cuya transmisión podrá verse en todo el mundo, especificando los horarios de las ciudades de Tijuana, Los Angeles, Costa Rica, Cancún, Bogotá y Nueva York.
“Los accesos electrónicos estarán disponibles a partir de mañana (lunes) Fase 1, del 3 al 16 de agosto, $150 pesos”, menciona el aviso.
Por su parte, Sabo Romo, el impulso de este proyecto y quien se ha encargado desde 2015 de reunir a distintos músicos que, en su mayoría, vivieron aquel momento de la música, dio un mensaje referente al proyecto hace unos días.
“Banda querida, soy Sabo Romo y quiero contarles algo. Rock en tu idioma continúa, Rock en tu idioma persiste y Rock en tu idioma finalmente nos provee de la posibilidad de hacer un disco, un disco que presentaremos próximamente en una faceta eléctrica, en una faceta en la que regresamos al principio básico de esto que hacemos, que es coger un cable, enchufarlo en una bocina y tocar. Viene pronto, estén muy pendientes”, expresó en su perfil de Facebook.
Alan Parker junto a Bob Geldof durante la grabación de la pelicula «The Wall»
El director de cine británico Alan Parker, autor de clásicos como “El expreso de medianoche”, “Evita” o “Fama”, ha muerto a los 76 años, según informó este viernes una portavoz del cineasta. La fuente explicó en un comunicado enviado en nombre de la familia que Parker falleció tras una “larga enfermedad”.
Dos veces nominado al Oscar como mejor director, la primera en 1979 por ‘Expreso de Medianoche y la segunda diez años más tarde por ‘Arde Mississippi’, Sir Alan Parker dirigió otros exitosos largometrajes como ‘Bugsy Malone, nieto de Al Capone’ (1976) ‘Birdy’ (1984) o ‘Los Commitments’ (1991).
El primer largometraje de este realizador británico fue Bugsy Malone en 1976, cinta que provocó un gran escándalo por su vanguardista concepto de convertir a los gangsters en niños durante la Depresión. Entre el elenco aparece una jovencísima Jodie Foster. Del filme, el New York Times escribió. «Una sátira salvajemente desigual pero imaginativa y elegante de las películas de gángsters de 1920». Bugsy Malone sería la primera de las cinco películas de Parker nominadas para la Palma de Oro de Cannes.
Más allá de sus reconocidas y taquilleras filmaciones, de este lado del continente se lo recuerda por Evita, película que escribió, dirigió y produjo. Se trató de uno de sus trabajos más controvertidos. El musical, con Madonnna poniéndose en la piel de Evita Duarte de Perón y Antonio Banderas como el Che Guevara, ganó un Oscar entre cinco nominaciones, pero a la mejor canción original: “You must love me”. Ni el director ni los actores principales compitieron por una estatuilla de la Academia de Hollywood.
En 1974, Parker rodó su primer largometraje para la cadena BBC con Los Evacuados, escrita por Jack Rosenthal, que ganó un Emmy y un BAFTA a la mejor dirección del año, el primero de los siete premios BAFTA coleccionados por Parker. Después de Bugsy Malone, en 1975, sorprendió, en 1977, con El Expreso de Medianoche, el filme favorito de Parker. Una cinta polémica que marcaría a Turquía durante décadas y por la que se convirtió en un director maldito para los dirigentes del país turco.
Cambiando su registro estrenaría después la cinta Fama, una celebración a la juventud que siente pasión por el arte. Fama consiguió 2 Oscars y 6 nominaciones, además de 4 nominaciones a los Globos de Oro y ser una de las pocas películas de la época que se adaptaría a la televisión, convirtiéndose en la serie más vista de los 80. En el 81, Parker dirigió el drama familiar Después del Amor, protagonizado por Diane Keaton y Albert Finney. Ese mismo año se puso tras las cámaras del icónico filme Pink Floyd – The Wall, adaptación cinematográfica del álbum publicado por la banda de rock.
Escuchá MHLH RADIO Streaming ROCK 