Luciano Napolitano, hijo de Pappo, fue detenido por golpear y encerrar a su pareja

“Me roció con alcohol, me agarró del cuello y me tiró el auto encima”

Luego del violento ataque que sufrió de parte de su pareja, Florencia abandonó la casa que compartían y aseguró: “Volvió a consumir, se puso agresivo. Lo único que yo quiero, es paz”.

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“No me interesa que pida disculpas. Lo único que me interesa es que desaparezca”. Esta es la frase con la que Florencia resumió el calvario que le tocó vivir este martes. 

Todo comenzó con una discusión y terminó de la peor manera: Luciano Napolitano la agarró del cuello e intentó ahorcarla. Luego la tiró al piso, la pateó, le pegó trompadas y le presionó un ojo con sus dedos. La tomó del pelo, la arrastró y la persiguió cuando ella intentó resguardarse: la sacó a la rastra y volvió a golpearla. Luego se subió a su camioneta e intentó atropellarla. Todos estos detalles fueron volcados en una denuncia que leyeron en Flor de Equipo. Ahí mismo fue que habló Florencia.

“Vine a sacar mis cosas, lo que pueda. Me voy de mi mamá… no es la primera vez que me pasa esto, aunque nunca con tanta violencia. Es decir, viví situaciones violentas pero jamás algo como esto. Estuve encerrada un día, tenía muy poca batería en mi celular y con eso, pedí ayuda”, relató nerviosa.

Los Hechos

Todo ocurrió el lunes pasado a las 16 horas en una casa ubicada en la calle Jujuy al 3400, cuando Napolitano comenzó a hostigar e insultar a la pareja, hasta que de un momento a otro la tomó del cuello y la amenazó de muerte. M.O. apenas pudo reaccionar. De acuerdo con las fuentes consultadas por este medio, en ese momento el agresor la empujó contra un sillón, continuó con las amenazas y puso una de sus rodillas en el pecho de la víctima para inmovilizarla.Las municiones incautadas Las municiones incautadas

Al tenerla completamente reducida, Napolitano después la tomó del pelo y la tiró contra el piso, mientras le pegaba patadas y golpes de puño en el cuerpo. Incluso, le apretó fuertemente uno de sus ojos.

Pero la violenta secuencia estaba lejos de terminar. Según supo Infobae, el hijo de “Pappo”, que también es músico, agarró a la mujer herida, la llevó por la fuerza hasta el sector del quincho y allí le dio un brutal golpe en la mandíbula. Luego, la tomó con violencia de los brazos, la dejó encerrada y se retiró de la vivienda con las llaves para impedir que escapara.Napolitano tras su detención.Napolitano tras su detención.

Las fuentes revelaron que el artista la mantuvo cautiva en la casa hasta el día siguiente. En total, fueron más de 24 horas de horror, que finalmente terminaron hacia las 16:20,cuando a la vivienda de la calle Jujuy llegó el personal policial de la Seccional de Benavidez para rescatar a M.O. y que recuperara su libertad.

Horas más tarde, los efectivos bonaerenses, bajo las órdenes del comisario Javier Mendoza, lograron ubicar a Napolitano y lo aprehendieron. La investigación del caso quedó en manos de los fiscales, Diego Callegari y Mariela Miozzo, integrantes de la UFI especializada en Violencia de Género de la localidad de Tigre, quienes ordenaron un allanamiento de urgencia al domicilio del cantante.El revólver que hallaron en la casa del músicoEl revólver que hallaron en la casa del músico

Fue así que ayer a la madrugada, con la presencia de la fiscal Miozzo en domicilio del imputado, se encontraron con otra sorpresa: según las fuentes, hallaron un revólver calibre 38 cargado y municiones intactas del mismo calibre. Algunas, incluso, ya habían sido percutadas. Además, descubrieron que Napolitano no contaba con la autorización legal para portación ni tenencia.

Horas después, en la mañana de ayer, el violento agresor fue indagado por los delitos de lesiones leves agravadas por el vínculo y por mediar violencia de género en concurso real, amenazas, privación ilegal de la libertad agravada y tenencia ilegítima de arma de guerra. Fuentes de la investigación revelaron a Infobae que en su declaración Napolitano negó que la hubiese mantenido secuestrada a la mujer en el quincho. “Ella podía salir cuando quería”, le dijo el acusado a la funcionaria judicial. Además, aseguró que “solo discutió” con M.O. y que el arma que tenía la había heredado hace unos 15 años.

Con toda la información recopilada, el juez del caso, Diego Martínez, resolvió convalidar el allanamiento y la aprehensión dispuesta por la fiscal Miozzo. El acusado aún permanece detenido en la comisaría de Tigre.

Si vivís situaciones de violencia de género o alguien que conocés vive estas situaciones podés comunicarte al 144 de manera gratuita las 24 hs., los 365 días del año. También podés hacerlo por WhatsApp al 1127716463 y por mail a linea144@mingeneros.gob.ar

AC/DC: Así sonaría “Highway to Hell” si se hubiera grabado en los años ’50

¿Cómo sonaría Highway to Hell si fuera una canción de doo wop?

Tiempo de lectura: 2’

26 MAY. 2021

Si “Highway to Hell” de AC/DC no fuera una canción de rock, también podría encajar dentro de un género como el doo wop de los ’50. ¿No te lo crees? Espera a ver este vídeo de Robyn Adele Anderson

Aunque es complicado imaginarnos cómo sonarían nuestros himnos favoritos de la historia del rock en un estilo o género distinto, lo bueno que tiene Internet es que te puedes encontrar de todo, como en este caso, el “Highway to Hell” cantado, en lugar de por Bon Scott o Brian Johnson con el resto de AC/DC a los instrumentos, por la elegante voz de Robyn Adele Anderson, una excelente música y creadora de contenido.

Y es que, de lo crudo y potente de la versión original, nos encontramos un tema completamente distinto, que podemos reconocer gracias a la letra y que nos devuelve a la América de los años ’50, tiempo antes de que los hermanos Young dieran con el riff más conocido de la historia del rock. Aún con todo, está versión de Anderson es una verdadera pasada.

Robyn Adele Anderson no para de cambiar himnos del rock

La red puede ser un altavoz muy potente para un artista si tiene el talento suficiente. Este ha sido el caso de Robyn Adele Anderson, cantante afincada en Nueva York con un increíble talento y, además, una elección de lo más curiosa tanto de temas como de estilo.

Y es que Adele Anderson puede coger cualquier canción, darle una vuelta y hacer, con ella, un viaje al pasado. Temas como el “Basket Case” de Green Day o el “B.Y.O.B” de System of a Down, adquieren un matiz diferente en su voz y, junto a una banda, generalmente de jazz, consigue provocar cambios como el que vas a ver a continuación y que te dejará con la boca abierta.

Todo comenzó cuando Adele conoció al colectivo musical Postmodern Jukebox y comenzó a colaborar con ellos haciendo esta clase de versiones. Poco a poco, la cantante fue ganando popularidad hasta que decidió que era el momento de emprender su carrera en solitario, abriéndose su propio canal de Youtube. Versiones de temas como “Smells Like Teen Spitit” y “Chop Suey” hicieron que, rápidamente, ganase más de medio millón de suscriptores en la red social así como más de 250 millones de visitas.

Además, la artista también sale de gira en directo tanto con el anteriormente mencionado Postmodern Jukebox como en solitario y ha llegado a actuar en varios programas de televisión. Para colmo, Robyn también es actriz y participa en varias obras de teatro que se realizan en Nueva York.

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Carlos Polimeni: “Hoy el rock no es música de jóvenes”

Carlos Polimeni

El reconocido cronista especializado en rock y espectáculos dialogó sobre el quehacer de la profesión en los años ochenta y los cambios con el mundo actual, sobre su forma de ver el periodismo y también sobre el pasado y el presente del rock criollo.

Trastabillaba la madrugada del 3 de marzo de 2000 y Charly García estaba a solo unas horas de escribir en bronce otro capítulo de la historia contemporánea: el día que se tiró a la pileta de un hotel en Mendoza desde la ventana del noveno piso. En esa noche Charly buscó con insistencia a un periodista alojado por casualidad en ese mismo hotel para que alguien fuera testigo de la turbulencia que por entonces atravesaba. Ese periodista era Carlos Polimeni, ya en ese entonces uno de los cronistas sobre el rock argentino más respetados y con una destacada trayectoria en medios como Clarín y Página 12, entre muchos otros.

La insistencia de Charly no era fortuita: con Polimeni eran viejos conocidos de una época sin internet ni teléfonos celulares, donde lo habitual entre artistas y profesionales de los medios era el encuentro cara a cara. Y esa madrugada Charly quería dejar testamento de un presente que lo tenía prendido fuego, por lo cual terminaron conversando por horas en la habitación de la que horas más tarde, ya de día, saltaría al agua. Como esa, Polimeni tiene un rosario de historias: ser un cronista de rock en los años 80 y 90 le dejó recuerdos y anécdotas inolvidables con personajes célebres en la historia de la música como el mencionado García, Luis Alberto SpinettaGustavo Cerati o Fito Páez, entre muchos otros.

En cuatro décadas de oficio, este periodista mendocino trabajó en agencias de noticias, diarios, revistas, radios y canales de televisión. Creador además de una importante obra como escritor, con 12 libros, guiones cinematográficos y obras teatrales, destaca hoy con su programa en radio “La tarde con Carlos Polimeni” (AM 990, de 13 a 16), una invitación en plena tarde para bajar cambios y poner calma, escuchar buena música, reflexionar sobre la actualidad y conocer grandes historias en el mundo del arte, con relatos marcados por la armonía y el ritmo de su conductor.


Por Faustino Rizzi

– Cuando mirás hacia atrás, y con los cambios que tuvo la profesión, ¿valorás más el haber estado en esos momentos íntimos y tan cercanos a personas tan importantes en el rock y la música popular?

– En principio, hay muchas diferencias tecnológicas en el ejercicio de la profesión, como lo hay en la vida cotidiana entre el pasado y el presente. En una época donde no existía el Zoom o el Whatsapp, la mejor manera de entrevistar a un músico era cara a cara. Eso te daba una cercanía muy diferente. Era no solo lo que se estilaba sino la única forma que estaba aceptada de concretar esas entrevistas. Hacerla por teléfono, que no hubiera un fotógrafo presente o que no se pudiera describir los ámbitos, era como reducir el trabajo del periodista a una tarea menor. No solo con estas personalidades, sino con otras muy diferentes. Recuerdo los casos de Atahualpa Yupanqui o Mercedes Sosa, ellos pedían que no se le diera tanta importancia al grabador, porque a veces las palabras eran malinterpretadas o no se expresaban bien. En el caso de Yupanqui, no dejaba que grabaras, sino que tenías que armar vos con sus palabras algo más coherente. Son generaciones que estaban acostumbradas a otro trato. Involucraba más gastos, más tiempos y más pasos, porque había que acordar la entrevista, ir hasta el lugar, bancarse la antesala, hacer la entrevista, volver, desgrabarla, editarla y finalmente publicarla. A mí me deparó, por la sucesión de veces de encontrarme con estos personajes, trabar relaciones con ellos y contar con recuerdos inolvidables.

En el caso del salto de Charly a la pileta en Mendoza, que desarrollaste en tu libro “El día que Charly saltó”, fuiste un privilegiado por estar apenas unas horas antes con él. 

No fue planificado. Yo estaba invitado en Mendoza a la Fiesta de la Vendimia, Charly estaba con una serie de recitales y alojado en el mismo hotel, eso fue casualidad. Pero no fue casualidad que Charly me haya elegido a mí para que subiera a su habitación y grabara la entrevista, porque teníamos una relación larga, nos conocíamos, él confiaba muchísimo en mí. Le debo haber hecho 30 o 40 entrevistas a Charly. Yo conocía su casa, él la mía, teníamos una relación por los sucesivos encuentros y también de una época en que había muchos festivales y salidas con mucha gente que hoy es mítica y en algunos casos ya no está. Compartir los mismos espacios te da ciertos privilegios, como poder escribir en el libro sobre todos esos personajes con una proximidad que hoy parece imposible. En todos los casos eran anécdotas en mi casa, en su casa, o en lugares íntimos, para contar aquello en una nota que hoy no cabe para publicar en un diario, en una entrevista de radio o de televisión. Hoy no viene al caso cómo es la cocina o el living, y a veces esas zonas, pasado el tiempo, también iluminan la obra del artista.

En ese libro recreás historias con otros artistas muy conocidos hoy, en donde es evidente un trato mucho más cercano de lo usual hoy en los medios. Miguel Abuelo yendo a tu casa para una entrevista y con un budín de regalo, por ejemplo. Hoy parece impensado algo así.

Se han convertido en leyendas todos estos personajes, ha pasado tanto tiempo y hoy parece increíble. En ese momento, yo vivía en el centro de Buenos Aires, en un edificio que no tenía portero eléctrico y en un departamento que no tenía teléfono. Entonces para verme ahí había que ir en horario comercial, de 10 a 18, que estaba abierta la puerta de calle. Si yo citaba alguien tenía que decirle que a tal hora iba a bajar a abrirle. En aquella época era muy difícil conseguir teléfono. Me acuerdo que Andrés Calamaro, que había venido varias veces a casa, me fue a buscar y se mandó, sin agente de prensa ni ninguna llamada, podía haberme encontrado como no. En esa época, en un bar escuché que un tipo cantaba detrás de mí unas melodías en italiano, y cuando me di vuelta era Luca Prodan. Personajes que se hicieron legendarios andaban por la calle, a Luca se lo encontraba por la calle tomando sol en una plaza o caminando por la calle Corrientes. No existía la dimensión de estrellato, que en Argentina es posterior a la aparición de MTV, cuando los rockeros comenzaron a aparecer mucho en televisión y la época del videoclip, que parecían cosas muy lejanas. Ahí empezó a ser diferente.

En esa época además la obra de los artistas estaba más mediada por el trabajo de la prensa. Hoy con las redes sociales muchos artistas pueden llegar directamente a su público. 

Es verdad. En esa época trabajaba en Clarín, los diarios tenían una importancia mucho mayor que hoy. Era un mundo sin internet ni telefonía celular, por ende sin páginas online, sin Twitter ni Instagram; entonces el valor de la prensa escrita era muy superior al de hoy. Los diarios y los suplementos de rock tenían un poder sobre la sociedad infinitamente más grande al de hoy. Han cambiado mucho las cosas al respecto.

¿Ese trabajo más artesanal requería una exigencia superior en cuanto a la formación de comunicadores en los medios en aquellos años?

Sí, era un trabajo mucho más arduo. Hoy con entrar a Google tenés un archivo publicado sobre cualquier persona, es una ayuda gigantesca. Me acuerdo que hace 31 años para escribir el libro sobre Luca Prodan toda la información que conseguí y los contactos era de una forma artesanal que impresionaba. Para hablar con los amigos de Luca que vivían en Italia, era casi imposible. Para hablar con Timmy McKern, que era su compañero de aventuras en Escocia, y que vivía en Traslasierra, había que conseguir su número, llamar por teléfono, esperar a que él viniera a Buenos Aires, te llamara y ahí arreglar una cita. Todo lo que hoy sería un Whatsapp, tardaba meses; tenía otro sabor, pero evidentemente esta época es muy superior. Necesitábamos una formación profesional más compleja y completa.

Hoy pareciera que en el rock ya no aparecen figuras jóvenes con un discurso social, que cuestione valores o que pueda hablar más allá de su propia obra o sus discos. Pareciera que ya nadie va contra la corriente.

Si miramos la historia de la música popular, cada uno de los grandes géneros tiene un período en que aparece y es contracultural, combatido o ignorado por el establishment; un período de aproximación al centro de las cosas, otro en que se vuelve masivo, otro posterior en que aparecen vanguardias en que discuten con el pasado, que se renuevan; y otro en que está todo más o menos establecido, en que a veces se avanzó tanto que ya no se puede avanzar más y que la renovación es volver al pasado. Esto ha pasado en todos los géneros populares. Lo vimos en el tango, por ejemplo, primero era la música en los prostíbulos, luego la época de Gardel, después llegan los años 40 y 50 con las orquestas y las multitudes, después aparece Piazzolla y después de eso, desde los años 90, ya no hay posibilidades de vanguardia y de ahí para adelante la tendencia es volver a las orquestas como en los años 20 o 30. El rock no ha sido ajeno a eso, tuvo un periodo que ha sido disruptivo, era lo sexual, lo prohibido, lo rebelde. Después llegó un momento en que empezó a ser clásico, los años 80 y parte de los 70, después vino un período de vanguardia que discutía con lo clásico, y después pasó que ya no hay forma de avanzar demasiado y el rock es parte de la banda de sonido del sistema. El sistema lo adapta, lo asimila y empieza a manejarlo. Se terminó la rebeldía, los sueños revolucionarios y es uno más de los géneros de la música popular. Hace muchos años que Sting dijo que el rock se aburguesó y está más a la vanguardia la música electrónica. Yo diría hoy que el rap, el freestyle y otros parecen más a la vanguardia que el rock. Es natural que eso suceda.

¿Cuál es hoy el público del rock?

Hoy el rock como tal no es música de jóvenes. Es música de gente de mediana edad, o de mayores, o de jóvenes no tan jóvenes. Willy Quiroga tiene casi 80 años, Moris 77, Ringo Starr y Paul Mc Cartney son octogenarios. Es parte del paso del tiempo, ni más ni menos. Pero a diferencia de otros géneros, el rock siempre cultivó la novedad como algo bueno, que lo nuevo era equivalente a bueno. Y eso ya no existe más, no puede haber algo nuevo de lo nuevo de lo nuevo. Creo que en nadie más nunca va a tener en Argentina la estatura mística que tienen los rockeros de los ochenta y los setenta, como ocurre en el mundo, y como ocurre con Gardel, Piazzolla, Mercedes Sosa o Yupanqui.

Después de los solistas y bandas surgidas en los ochenta, pareciera que no hubo otros artistas que cautivaran a generaciones enteras. 

Creo que hay épocas y circunstancias que condensan una cantidad de elementos que después se vuelven irrepetibles en la historia. En Estados Unidos o Inglaterra, hay una generación de grandes nombres del rock que nacieron en la segunda guerra mundial o en la postguerra, en un mundo que estaba destruido, y que llegaron a ser jóvenes y creativos en los años 60, cuando los jóvenes sentían que podrían tomar el mundo por asalto, cuando la vida se puso de repente en Tecnhicolor cuando había sido en blanco y negro. Como esos años son irrepetibles, es muy difícil que nazca otro Mick Jagger, otro Sting o John Lennon, por nombrarte algunos. Porque las épocas no se repiten y los estímulos y las generaciones tampoco. Es la misma generación a la que pertenecen en España Joan Manuel Serrat y Luis Eduardo Aute, en Argentina Charly García y Luis Alberto Spinetta, en Brasil Caetano Veloso o Gilberto Gil. Son generaciones atravesadas por una serie de circunstancias irrepetibles, entonces el rock creció a fuerza de represión y dictaduras, fue encontrando un lugar en una escena que es irrepetible. Aquellas épocas no volverán y por ende la representatividad que aquellos músicos tuvieron sobre un público que también había vivido las mismas circunstancias, no se va a producir. Es imposible que si no se reproducen épocas los resultantes humanos sean los mismos. Van a ser siempre diferentes, eso que falta son aquellos contextos.

¿Creés que recién ahora a Charly García, ya alejado de sus épocas más agitadas, se le empieza a dar un reconocimiento más amplio por todo lo que hizo por el rock y la música en español?

A veces pasa que con las figuras públicas, al ser contemporáneos, los vemos en toda su dimensión, con sus errores y aciertos, en las buenas y en las malas. Figuras muy grandes como Maradona o Charly, como tantos otros, los vemos en una dimensión que dentro de cincuenta años no tendrán, de ellos hablará solamente su obra. A veces cuando te morís joven, como Luca Prodan o el Che Guevara, tenés el privilegio de que la historia no te ve envejecer, te recuerda siempre en un momento en que eras joven y hasta hermoso. Eva Perón se murió a los 33 años, no la vimos derrapar, equivocarse, meter la pata o senil. La conservamos en un lugar. Creo que la muerte joven te preserva. Cuando no ocurre eso, te encontrás con otro proceso, con artistas que ya no tienen las mismas canciones o que te producen algunas contradicciones. Pero creo que en el arte lo que hay que mirar es la obra. Y la verdad es que la obra de Charly es inmensa, abarca muchísimas décadas, con tantas canciones importantes en la banda de sonido de nuestra sociedad. Es un personaje controvertido, que jugó con los límites de la estrella de rock. A Charly puede ser difícil quererlo, pero es imposible negar su obra. El ser humano puede equivocarse mucho más que su propia obra y la obra de Charly es demasiado grande, lo pone en un lugar privilegiado no solo en el rock en castellano sino en la música popular de América Latina.  

Vos lo definís en tu libro como el Mozart del siglo pasado.

Yo creo que tiene esas características, pero de Mozart pasó tanto que ya no sabemos cuántas veces metió la pata.

Parece que hoy no hay bandas o solistas que puedan tener una obra semejante como la de Charly en sus años más creativos.

No. Sobre Charly basta buscar en Google los libros que hay, la cantidad de obras que se han generado. Todo lo que generó Charly musicalmente y culturalmente, y la admiración de otros artistas como Piazzolla o Mercedes Sosa por la música de Charly, ahí te das cuenta de su enormidad. Y otro aspecto que casi nunca se trata es cómo el rock argentino aportó un legado de pianistas a la historia del rock, que no es muy frecuente. Si tomás en cuenta a Charly García, Lito Nebbia, Fito Páez, Andrés Calamaro, son rockeros pero pianistas. Charly era profesor de piano a los 13 años. Hay un nivel armónico respecto al rock y mucha relación con el rock sinfónico en la época. Es algo para analizar, se trata de un instrumento caro, difícil de aprender, que poca gente lo tiene en sus casas, en una época en que padres de chicos que se preocupaban por una formación integral cultural de los suyos, que con el tiempo fue mermando. Charly cuando compone canciones de rock ya ha leído a Oscar Wilde, cuando hace Inconsciente colectivo ya estaba al tanto de las teorías de Jung, Spinetta cuando publica Tester de violencia ha leído a todos los filósofos franceses, cuando editó Artaud ya ha leído a toda la obra de Antonin Artaud. Hay en esos modelos de artistas del rock argentino un consumo previo de música, literatura, de pintura, bellas artes y una formación global que a veces parece no registrarse pero que está detrás de canciones de tres minutos, un camino de formación artístico muy importante. Con el tiempo la formación, sobre todo en el rock, pareció evaporarse.  

En la radio se te nota muy a gusto en tu programa, manejando los tiempos, pudiendo expresarte en detalle. ¿Ya no te interesa el periodismo gráfico?

Sí me interesa, pero a veces ocurre que en lo profesional a uno lo tientan más para una cosa que la otra. Durante más de 25 años trabajé básicamente en prensa gráfica, agencias de noticias o diarios. Desde que comenzó este siglo superpuse eso con trabajos en la radio y demás, y finalmente me fui quedando más con la radio por un tema de que no se puede hacer todo. El trabajo en los medios gráficos era cada vez peor pago en comparación a los medios electrónicos y entonces me convino más trabajar en la radio que seguir en las redacciones de los diarios. No es que no me interesa, no lea o no escriba, sino que en este momento tengo un mejor lugar en la radio.

En un momento donde desde algunos medios nacionales en Buenos Aires se hace “periodismo de guerra”, ¿qué pensás que tenés que aportar cada día cuando arrancás con tu trabajo?

Todos los días cuando voy a la radio para hacer mi trabajo pienso que le tengo que mejorar el día a la gente. Algunas veces en broma digo que de chiquito fui aviador pero ahora soy enfermero, citándolo a Charly. Creo que él quiso decir que de chiquito quiso cambiar el mundo y ahora quiere ayudar a curar los males que tienen las personas. Pienso que muchas cosas chiquitas ayudan a cambiar el mundo, que le mejore el día al que está escuchando el programa, que le sea más placentero o con más belleza. Me propuse un trabajo en ese frente, no es un programa a las 6 de la mañana ni de trasnoche, sino que es un paréntesis en el día que nos podemos permitir. En este 2020, en medio de una pandemia, yo mismo como consumidor de medios intento buscar algo que me hace bien y no aquello que me hace mal. Me doy la dosis mínima de noticias y busco las cosas que me traigan placer, entonces intento un programa de radio que responda a ese parámetro para la gente que escucha, que por suerte es mucha. Creo que todos necesitamos lo que nos hace bien y nos saca de la angustia. Y los medios, en general, hacen su negocio de la angustia. A mí me da un poco de vergüenza ajena.

¿Ves al periodismo como una oportunidad de sensibilizar, de llegar al público como desde el arte?

Se supone que el periodismo es una forma de contar lo que pasa, que hay una realidad y también una gente interesada en conocerla, entonces el periodismo es el medio para eso, para conocer esa realidad. Pero en todos los medios de comunicación hay entretenimiento, cultura y otras secciones aparte de aquellas que te cuentan la realidad dura. Yo siempre he trabajado de intentar mediar en la realidad de la gente aportándole una cosa diferente. Hace 40 años que trabajo en el periodismo, he sido una persona muy interesada en la política, en el deporte, en la sociedad; entonces tengo una herramienta poderosa, tengo tres horas de programa todos los días, una responsabilidad, entonces intento que en esas tres horas tengamos un viaje en que nos sintamos bien. Está relacionado con la actualidad, por momentos, que usa la realidad para llegar a otros lugares. Y defender lo que me parece que está bien defender. Si vamos a pasar música, que sea buena. Si hablamos de una persona, que tenga algo para decir. Es un tiempo importante y yo no lo relleno, hago cada programa como si fuera el último. Trato de poner siempre toda la carne posible en el asador. Es cuestión de contar todos los días una historia que se atrapante, un leit motiv del programa que ayude a que nos sintamos bien.

13 de julio como el Día Mundial del Rock

El 13 de julio de 1985, más de 60 artistas presentaron Live Aid y Band Aid en dos estadios: Wembley, en Londres y el John F. Kennedy, en Filadelfia. El objetivo fue reunir fondos para la lucha contra el hambre en Etiopía.

Día Mundial del Rock y el recuerdo a 35 años del Live Aid - Radio Cantilo

Si pudiéramos armar “el show soñado”, probablemente muchas de las estrellas que se reunieron hace 35 años en este mega evento aparecerían. Hoy se festeja El Día Mundial del Rock & Roll debido a la realización del Live Aid. El megafestival de rock con sede en Londres y en Filadelfia, tuvo como fin recaudar fondos para la lucha contra el hambre en Etiopía.

Hablamos de dieciséis horas de música en dos estadios y la reunión de más de 50 estrellas del rock. El resultado económico significó cientos de millones de dólares de recaudación con 1.500 millones de espectadores en una maratón televisiva sin interrupciones. Aunque en 2020 nos parezca algo hecho hasta el cansancio, con el Live Aid la industria tomó consciencia del poder y convocatoria arrollador con el que contaban y por ende, lo mucho que podían torcer la historia. “Este festival pasó a la historia y dejó su huella quizás porque fue cuando la industria se dio cuenta que tenía un poder movilizador, y generador de cosas que podían apostarse a grandes cambios. Además, no surgió de una productora o una disquera, fue idea de un músico. Fue todo obra de Bob Geldof “

La tarde de Queen

El show de Queen quedó para la historia. Esos 23 minutos son recordados como lo mejor del festival. Quizás fue porque la banda entendió como pocos que contaban con esos minutos para salir a matar. Tocaron las que se sabían todos, de día, sin la ayuda de las luces, pero la banda tocó a full y Freddie estaba en el patio de su casa. La historia lo sostiene como uno de los mejores shows de todos los tiempos

Bono el salvador

U2 no era la banda que hoy conocemos. En una etapa emergente, su participación en Live Aid funcionó de catapulta y con muy pocas canciones. En medio de la ejecución de Bad, Bono notó que una chica se estaba ahogando en medio de la marea humana, y la rescató. Bailó con ella, retomó la canción y la banda nunca terminó el set programado, pero gracias al gesto humano y paternal de Bono el mini show quedó grabado en la memoria colectiva.

Una de las perlas del mega show en Filadelfia serían las reuniones de grupos separados desde hacía años: Crosby, Stills, Nash and Young, Black Sabbath, Duran Duran y Led Zeppelin. Los últimos se negaron a anunciarse como banda. Fueron Page, Plant y Jones. Para la batería llamaron a Tony Thompson que había tocado en el grupo Chic. También se les sumaría Phil Collins, pero llegaron sin ensayo, y el resultado no fue el esperado. 

Además de David Bowie y su siempre memorable ejecución, uno de los puntos altos de la jornada tuvo a un joven Elton Jonh de protagonista con Don’t go breaking my heart y se presentó a dúo con George Michael. 

El equipo de Bob:

Queen, Status Quen, The Style Council, The Boomtown Rats, Ultravox, Spandau Ballet, Elvis Costello, Nik Kershaw, Sade, Sting, Phil Collins, U2, Howard Jones, Bryan Ferry, Paul Young, Alison Moyet, Bryan Adams, The Beach Boys, David Bowie, The Pretenders, Madonna, Simple Minds, Dire Straits, Elton John, The Cars, Led Zeppelin, David Gilmour, Kenny Loggins, Wham!, Tears for Fears, Hall & Oates, Run DMC, George Thorogood & The Destroyers, Albert Collins, Bo Diddley, Black Sabbath, Ozzy Osbourne, Neil Young, The Who, INXS, Lionel Richie, Tom Petty & The Heartbreakers, Paul McCartney, Reo Speedwagon, Mick Jagger, Judas Priest, Duran Duran, Joan Baez, Tina Turner, Bob Dylan, Billy Ocean, Keith Richards, The Hooters, Ron Wood, Cliff Richard, Ashford & Simpson, Teddy Pendergrass, Thompson Twins, Steve Stevens, Nile Rodgers, Patti Labelle, Eric Clapton, B.B King, Crosby, Stills & Nash, Santana, The Power Station, Billy Joel, Paul Simon, Stevie Wonder, Waylon Jennings, Kris Kristofferson, Huey Lewis & The News, Boy George, The Temptations, Kool & the Gang.

Un 7 de julio de 2006 , moriría Syd Barrett. Mirá el documental en Español.

Hace 14 años, el 7 de julio de 2006 , moriría Syd Barrett . El artista falleció durmiendo en su casa, en Cambridge, a los 60 años, víctima de cáncer de páncreas.

En los años anteriores a su fallecimiento, sufrió también debido a la diabetes.Como músico, Syd fue cantante, guitarrista y compositor, siendo uno de los fundadores del Pink Floyd en 1965. Las principales ideas musicales y estilísticas del grupo vinieron de Barrett, que también definió el nombre de la banda y las características de lo que quedó conocido como rock psicodélico Sin embargo, especulaciones sobre su deterioro mental, agravada por el exagerado uso de drogas, llevaron a su salida de Pink Floyd en 1968.Syd vivió preso desde el final de su carrera musical, a principios de la década de 1970, dedicándose entonces a la pintura y a la jardinería . Él nunca volvió a publicarDespués de su salida de Pink Floyd , varias obras fueron producidas en su homenaje, desde canciones de la banda, biografías y tributos de otros artistas, con Syd Barrett siendo recordado hasta hoy como el nombre principal de la música psicodélica.


Escuchá a SYD BARRETT en MHLH RADIO Streaming ROCK
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#sydbarrett

Falleció la actriz y musa del rock indie Rosario Bléfari

Falleció la actriz y musa del rock indie Rosario Bléfari

La actriz, poetisa y figura emblemática de la movida rockera independiente de la Argentina, Rosario Bléfari, falleció hoy a los 54 años en la ciudad pampeana de Santa Rosa como consecuencia de un infarto.

Bléfari, actriz de “Rapado” y “Silvia Prieto”, se había trasladado a La Pampa a cuidar de su padre y porque ella era inmunodeprimida ya que había enfrentado un tratamiento contra el cáncer, pero su salud se deterioró y falleció anoche, según informaron allegados a la ex líder del influyente grupo Suárez.

David Gilmour estrena canción luego de cinco años

Se titula “Sí, tengo fantasmas” y lo acompaña su hija Romany

“Yes, I hace ghosts” (“Sí, tengo fantasmas”) es la primera canción nueva, de David Gilmour en cinco años, y presenta la voz y el arpa de su hija Romany. La inspiración para la canción fue la nueva novela de Polly Samson “A Theatre for Dreamers”.

De ‘Yes, I Have Ghosts’ Gilmour dice: “Estaba trabajando en esta canción justo cuando entramos en cuarentena y tuve que cancelar una sesión con cantantes de respaldo, pero resultó que la solución estaba justo aquí y no puedo estar más feliz con la forma en que la voz de Romany se mezcla con la mía y su hermosa arpa fue otra revelación”.

La canción solo había estado disponible anteriormente como parte del innovador audiolibro de la novela. Polly Samson, quien escribió la letra dice: “Colaborando con David, como lo he hecho muchas veces en los últimos 30 años, escribiendo canciones para Pink Floyd y sus álbumes en solitario, pudimos unir los mundos de la literatura y la música para mejorar la experiencia de escuchar y conectarse con el público de una manera que no creo que se haya hecho antes.”

Ubicado en la idílica isla griega de Hydra en 1960, A Theatre for Dreamers captura los días brumosos y bañados por el sol de una comunidad bohemia de poetas, pintores y músicos expatriados, incluido un Leonard Cohen, de veinticinco años.

Antes del encierro por el Covid 19, David, Polly y su familia estaban a punto de llevar “A Theater For Dreamers” a la ruta para una breve serie de espectáculos que combinaban palabras y música.

Lamentablemente, estas fechas tuvieron que posponerse hasta junio de 2021, pero la “Familia Von Trapped”, como se llamaron a sí mismos, se dirigió a Facebook para hacer versiones adaptadas de los programas.

Los espectadores se vieron transportados a la isla griega de Hydra en 1960, con lecturas del libro, poesía, sesiones de preguntas y respuestas y música inspirada en la novela, incluidas secciones instrumentales de “Yes, I Have Ghosts” y canciones de Leonard Cohen.

Podés ver el video acá:

BAD BRAINS – A BAND IN D.C. (USA 2012)

Gran documental sobre una de las bandas más grandes del rock norteamericano.
Cuando digo rock, es que creo que exceden al punk desde el punto de vista musical pero forman parte primordial de lo que puedo entender como cultura punk.
Para quienes no los conocen, 4 tipos de raza negra pasan de tocar covers de bandas funk a descubrir el punk y de ahi pasan a ser influencia del hardcore, del metal y de muchos subgéneros más.
Su conversión al rastafarismo, los problemas por discriminación, la estrafalaria vida de su cantante HR, todo eso y mucho más en este muy buen material.
Agradezco la colaboración de Mercedes Lini, Hernán Fuentes, Tais Capria y Buio Omega que tradujeron el documental.

Depeche Mode transmitirá en vivo su documental “Spirits in the Forest”

ONBARCELONA DEPECHE MODE 2017

Depeche Mode acaba de anunciar que su documental concierto Depeche Mode: SPIRITS in the Forest, será transmitido una sola vez por el canal oficial de YoTube de Live Nation’s. Como su nombre indica, contiene material de dos conciertos, estos dos especiales, los últimos realizados, el 23 y 25 de julio de 2018 en el Teatro del Bosque de Berlín, de esa ciudad, en Alemania, correspondientes a la gira Global Spirit Tour con motivo del álbum Spirit de 2017.

A través de la cuenta oficial de la banda dieron a conocer la buena noticia: “Vea LiVE SPiRiTS, el concierto completo nunca antes visto de Waldbühne, Berlín, una sola vez transmitido en todo el mundo por el canal de YouTube de Live Nation el jueves 25 de junio al mediodía PDT / 3pm EDT / 8pm BST / 9pm CEST”.

Dirigido por el galardonado cineasta y colaborador artístico de la banda Anton Corbijn muestra el espectacular concierto que dieron, además se mezclarán las historias de seis fanáticos del grupo y cómo la música de Gahan, Gore y Fletcher ha influido a través de los años en distintos puntos de sus vidas.

En principio, hubo una exhibición especial del 2019 en una noche en 2400 cinemas del mundo, para posteriormente ponerlo a disposición en las plataformas Vimeo, Prime Video, Google Play, Apple TV, así como en Spotify. El documental recaudó cerca de 4.5 millones de dólares alcanzando el segundo puesto en países como Alemania, Italia y Reino Unido, así como el tercer puesto en México.

Los dos CD aparecerán en la edición estándar, pero además se publicarán por separado, los cuales representarán un álbum doble en directo. Si no quieres perderte está transmisión, programa tu reloj y recuerda una vez más que el 25 de junio a través del canal de Live Nation en YouTube será el streaming totalmente gratuito. Por aquí te dejamos el tráiler:

Acerca de Depeche Mode

Es una banda británica formada en 1980 por Vince Clarke, Andrew Fletcher, Martin Gore y David Gahan. Tras su álbum debut Speak & Spell en 1981, Clarke dejó el grupo y fue sustituido por Alan Wilder, quien permaneció hasta 1995. Desde entonces, Gahan, Gore y Fletcher han continuado el proyecto como trío. Según el documental Historia del rock de la BBC “son los padres del rock electrónico”. Ha vendido más de 120 millones de álbumes, sumando el total de ventas de sus discos en todo el mundo, incluyendo sencillos, convirtiéndose en el más exitoso grupo de música electrónica en la historia.