BAD BRAINS – A BAND IN D.C. (USA 2012)

Gran documental sobre una de las bandas más grandes del rock norteamericano.
Cuando digo rock, es que creo que exceden al punk desde el punto de vista musical pero forman parte primordial de lo que puedo entender como cultura punk.
Para quienes no los conocen, 4 tipos de raza negra pasan de tocar covers de bandas funk a descubrir el punk y de ahi pasan a ser influencia del hardcore, del metal y de muchos subgéneros más.
Su conversión al rastafarismo, los problemas por discriminación, la estrafalaria vida de su cantante HR, todo eso y mucho más en este muy buen material.
Agradezco la colaboración de Mercedes Lini, Hernán Fuentes, Tais Capria y Buio Omega que tradujeron el documental.

Depeche Mode transmitirá en vivo su documental “Spirits in the Forest”

ONBARCELONA DEPECHE MODE 2017

Depeche Mode acaba de anunciar que su documental concierto Depeche Mode: SPIRITS in the Forest, será transmitido una sola vez por el canal oficial de YoTube de Live Nation’s. Como su nombre indica, contiene material de dos conciertos, estos dos especiales, los últimos realizados, el 23 y 25 de julio de 2018 en el Teatro del Bosque de Berlín, de esa ciudad, en Alemania, correspondientes a la gira Global Spirit Tour con motivo del álbum Spirit de 2017.

A través de la cuenta oficial de la banda dieron a conocer la buena noticia: “Vea LiVE SPiRiTS, el concierto completo nunca antes visto de Waldbühne, Berlín, una sola vez transmitido en todo el mundo por el canal de YouTube de Live Nation el jueves 25 de junio al mediodía PDT / 3pm EDT / 8pm BST / 9pm CEST”.

Dirigido por el galardonado cineasta y colaborador artístico de la banda Anton Corbijn muestra el espectacular concierto que dieron, además se mezclarán las historias de seis fanáticos del grupo y cómo la música de Gahan, Gore y Fletcher ha influido a través de los años en distintos puntos de sus vidas.

En principio, hubo una exhibición especial del 2019 en una noche en 2400 cinemas del mundo, para posteriormente ponerlo a disposición en las plataformas Vimeo, Prime Video, Google Play, Apple TV, así como en Spotify. El documental recaudó cerca de 4.5 millones de dólares alcanzando el segundo puesto en países como Alemania, Italia y Reino Unido, así como el tercer puesto en México.

Los dos CD aparecerán en la edición estándar, pero además se publicarán por separado, los cuales representarán un álbum doble en directo. Si no quieres perderte está transmisión, programa tu reloj y recuerda una vez más que el 25 de junio a través del canal de Live Nation en YouTube será el streaming totalmente gratuito. Por aquí te dejamos el tráiler:

Acerca de Depeche Mode

Es una banda británica formada en 1980 por Vince Clarke, Andrew Fletcher, Martin Gore y David Gahan. Tras su álbum debut Speak & Spell en 1981, Clarke dejó el grupo y fue sustituido por Alan Wilder, quien permaneció hasta 1995. Desde entonces, Gahan, Gore y Fletcher han continuado el proyecto como trío. Según el documental Historia del rock de la BBC “son los padres del rock electrónico”. Ha vendido más de 120 millones de álbumes, sumando el total de ventas de sus discos en todo el mundo, incluyendo sencillos, convirtiéndose en el más exitoso grupo de música electrónica en la historia.

Roger Waters regala otra canción a los fans durante la cuarentena, ‘Two Suns in the Sunset’

Roger Waters ha vuelto a ofrecer una versión de un tema de Pink Floyd durante la pandemia. Ahora ha sido el turno para la canción ‘Two Suns in the Sunset’, cuyo vídeo se puede ver sobre estas líneas.

‘Two Suns in the Sunset’ fue la última canción del álbum de Pink Floyd ‘The Final Cut’, de 1983.

Waters, que grabó esta versión desde su estudio casero y aportando las partes individuales de cada compañero de su banda en directo, comentó: “Tuve una idea, hacer un álbum con todas las canciones que interpretamos como bonus en los conciertos de la gira Us+Them”. Por eso explica que primero versionó ‘Mother’, hace unas semanas, y que las tocan cada uno desde su casas por la pandemia de covid-19.

Y mientras que este ‘Two Suns in The Sunset’ es el segundo tema para ese futuro disco, anuncia que habrá más en las próximas semanas. “Espero que os guste, a mí me ha encantado”, comentaba el veterano músico en sus redes sociales.

También aprovechó este lanzamiento para lanzar un mensaje político: “Que permitamos que haya armas nucleares en este mundo controladas por sociópatas y trastornados es una auténtica locura”, dijo en referencia sobre todo a Donald Trump. “Somos más que ellos, podríamos negarnos a esta total locura de las armas de destrucción masivas”, añadía.

La banda que interviene es la siguiente:

Roger Waters: Guitarra y voz
Dave Kilminster: Guitarra
Joey Waronker: Batería
Jess Wolfe y Holly Laessig: Coros
Gus Seyffert: Bajo
Jonathan Wilson: Guitarra
Jon Carin: Piano y teclados
Bo Koster: Piano Hammond
Ian Ritchie: Saxo

El vídeo es obra de Sean Evans y el propio Roger Waters, ambos autores del último DVD del artista, ‘Us + Them’. La grabación ha sido mezclada por Gus Seyffert, el bajista de la banda, y fue ayudado por Sean Cook. La edición del vídeo ha corrido a cargo Andy Jennison.

Te recordamos su anterior tema, ‘Mother’:

Ya está a la venta ‘Us + Them’ en formato digital. Lamentablemente, habrá que esperar a octubre para comprar los formatos físicos, que serán Blu-ray, DVD, CD y vinilo. La fecha exacta será el 2 de octubre.

Lo pueden ver ya online los suscriptores de Apple TV y Prime Video de Amazon.

El Kun Agüero le enseñó a El Rubius cómo armar el fernet perfecto

El Kun descolló en su versión streamer (capturas)

A días de volver a jugar, el futbolista argentino compartió una transmisión en las redes con el famoso youtuber español

Faltan solo tres días para que Sergio Agüero vuelva a jugar al fútbol de forma profesional. El próximo miércoles se reanudará la Premier League luego de la interrupción por la pandemia de coronavirus y el Manchester City enfrentará al Arsenal. Se espera que el Kun esté presente ese día en el equipo de Pep Guardiola y la pregunta es si, una vez que regrese el fútbol, seguirá haciendo sus exitosas transmisiones virtuales.

En esta ocasión, el delantero argentino se juntó con el famoso Youtuber español Rubius para una transmisión en conjunto. Uno de los momentos más divertidos del vivo fue cuando Agüero le enseñó al europeo cómo preparar uno de los tragos preferidos de los argentinos: el fernet con Coca.

Agüero, en su estación de juegos (Instagram)
Agüero, en su estación de juegos (Instagram)

“Siempre me decían que tenían que tomarlo con la botella de la Coca Cola cortada a la mitad”, comenzó diciendo Rubius al mostrar una botella de la bebida. Luego, el futbolista le dio las indicaciones para prepararlo bien: “Mitad y mitad, pero al principio no tan mitad para que le agarres el gustito”.

Vos le ponés Coca y vas viendo”, aconsejó el Kun. Y explicó: “Si le das mitad y mitad (te da) un dolor de estómago, sabés cómo te explota la cabeza, el pecho te hace bum, bum, bum. No tomes apurado porque quedás patitas para arriba”.

Finalmente, el ex Independiente dejó una recomendación para los principiantes: “Para arrancar 80/20: 20% de fernet y 80% de Coca para arrancar”.

Sergio Agüero se ha convertido en un destacado streamer durante la cuarentena. El delantero se transformó en una revelación de las redes sociales con sus transmisiones en vivo en las que realizó diversas acciones: jugó videojuegos online, reaccionó a videos de batallas de Freestyle o de patadas en el fútbol y se cruzó con reconocidas personalidades, entre otras acciones.

Ahora es tiempo de volver a su actividad principal: el fútbol. El miércoles, desde las 16.45 (hora argentina), el Manchester City volverá a jugar cuando reciba al Arsenal, por la fecha 28 de la Premier League. El conjunto de Guardiola –que está segundo en la tabla, a 25 puntos del Liverpool, que es único líder- busca volver al ruedo con una victoria ante un equipo que naufraga en la mitad de la tabla.

Bob Dylan habla sobre la mortalidad, inspirándose en el pasado y su nuevo álbum, “Rough and Rowdy Ways”

Hace algunos años, sentado bajo árboles de sombra en Saratoga Springs, Nueva York, tuve un diálogo de dos horas con Bob Dylan que abordó temas como Malcolm X, la Revolución francesaFranklin Roosevelt y la Segunda Guerra Mundial. En una coyuntura, me preguntó qué sabía de la masacre de Sand Creek de 1864. Cuando le respondí que no sabía lo suficiente al respecto, se levantó de su silla plegable, subió a su autobús de giras y regresó cinco minutos más tarde con unas fotocopias que describían la manera en que los soldados estadounidenses habían masacrado a cientos de cheyennes y arapahoes pacíficos en el sureste de Colorado.

Dada la naturaleza de nuestra relación, me atreví a comunicarme con él en abril, en medio de la crisis del coronavirus, tras el lanzamiento inesperado de su canción épica de diecisiete minutos “Murder Most Foul”, acerca del asesinato del presidente John F. Kennedy. Aunque no había ofrecido entrevistas fuera de su propio sitio web desde que ganó el Premio Nobel de literatura en 2016, aceptó charlar por teléfono desde su casa en Malibú, California, una conversación que resultó ser su única entrevista antes del lanzamiento el viernes de “Rough and Rowdy Ways”, su primer álbum de canciones originales desde “Tempest” en 2012.

Como la mayoría de las conversaciones con Dylan, “Rough and Rowdy Ways” explora un territorio complejo: trances e himnos, música “blues” desafiante, anhelos románticos, yuxtaposiciones cómicas, los juegos de palabras de un bromista, ardor patriótico, firmeza inconformista, cubismo lírico, reflexiones sobre la vejez y satisfacción espiritual.

En la fabulosa y energética “Goodbye Jimmy Reed”, Dylan honra al músico de “blues” de Misisipi con melodías feroces de armónica y una letra subida de tono. En la canción lenta de “blues”, “Crossing the Rubicon”, siente “los huesos debajo de la piel” y considera sus alternativas antes de la muerte: “A tres millas al norte del purgatorio… a un paso del más allá / Hice una oración a la cruz, besé a las chicas, y crucé el Rubicón”.

“Mother of Muses” es un himno al mundo natural, los coros de gospel y los hombres militares como William Tecumseh Sherman y George Patton, “quienes despejaron el camino para que Presley cantara / quienes le despejaron el camino a Martin Luther King”. Además, “Key West (Philosopher’s Pirate)” es una meditación etérea acerca de la inmortalidad ambientada en un trayecto por la Ruta 1 hacia Florida Keys, con el acordeón de Donnie Herron, cuyo sonido nos recuerda a Garth Hudson, de The Band. En ella, rinde homenaje a “Ginsberg, Corso y Kerouac”.

Quizá algún día escribirá una canción o realizará una pintura para honrar a George Floyd. En las décadas de 1960 y 1970, siguiendo el ejemplo del trabajo de los líderes negros y el movimiento de derechos civiles, Dylan también trabajó para exponer la arrogancia del privilegio blanco y la perversidad del odio racial en Estados Unidos a través de canciones como “George Jackson”, “Only a Pawn in Their Game” y “The Lonesome Death of Hattie Carroll”. Una de sus frases más feroces acerca de la policía y la raza quedó plasmada en “Hurricane”, su balada de 1976: “Así son las cosas en Paterson / Si eres negro, mejor no salgas a la calle / A menos que quieras llamar la atención”.

Pude comunicarme brevemente con Dylan, de 79 años, un día después del asesinato de Floyd, en Minneapolis. Claramente impactado por el horror que había ocurrido en el estado donde vive, sonaba deprimido. “Me sentí horrorizado de ver cómo torturaron a George hasta matarlo de esa manera”, comentó. “Fue espantoso. Esperemos que la familia de Floyd y la nación obtengan justicia de inmediato”.

A continuación los fragmentos editados de las dos conversaciones.

P: ¿Escribiste “Murder Most Foul” como una alabanza nostálgica dedicada a un momento que quedó en el pasado?

R: Para mí no es nostálgica. No creo que “Murder Most Foul” sea una idealización del pasado ni algún tipo de celebración de un momento desvanecido. A mí me habla del presente. Siempre fue así, sobre todo cuando estaba escribiendo la letra.

P: “I Contain Multitudes” tiene una frase poderosa: “Duermo con la vida y la muerte en la misma cama”. Supongo que todos nos sentimos de esa manera cuando llegamos a cierta edad. ¿Piensas a menudo en la mortalidad?

R: Pienso en la muerte de la raza humana, en el largo y extraño trayecto del simio desnudo. No es por ser delicado al respecto, pero la vida de todos es pasajera. Todos los seres humanos, sin importar su fuerza ni su poder, son frágiles cuando se trata de la muerte. Lo pienso en términos generales, no de manera personal.

P: Hay mucho sentimiento apocalíptico en “Murder Most Foul”. ¿Te preocupa que en 2020 lleguemos a un punto sin retorno, que la tecnología y la hiperindustrialización se opongan a la vida humana en la Tierra?

R: Claro, hay muchas razones para mostrarse aprehensivo al respecto. Definitivamente hay mucha más ansiedad y nervios que antes. Pero eso solo aplica a las personas de cierta edad como tú y como yo, Doug. Solemos vivir en el pasado, pero esos solo somos nosotros. Los jóvenes no tienen esa tendencia. No tienen pasado, así que todo lo que saben es lo que ven y escuchan, y se creen cualquier cosa. En veinte o treinta años, todos estarán en la delantera. Cuando veas a alguien que tiene 10 años, sabrás que tendrá el control en veinte o treinta años, y no tendrá idea del mundo que conocimos nosotros. Los jóvenes adolescentes de ahora no tienen pasado que recordar. Así que quizá lo mejor es adoptar esa mentalidad en cuanto podamos porque así será la realidad.

En cuanto a la tecnología, nos vuelve vulnerables a todos. Pero los jóvenes no piensan así. Eso no les importa. Las telecomunicaciones y la tecnología avanzada forman parte del mundo en el que nacieron. Nuestro mundo ya es obsoleto.

P: Una frase en “False Prophet” —“Soy el último de los mejores / pueden sepultar a los demás”— me recordó las muertes recientes de John Prine y Little Richard. ¿Escuchaste su música después de su muerte como una suerte de tributo?

R: Ambos triunfaron con su obra. No necesitan que nadie les haga tributos. Todos saben lo que hicieron y quiénes eran. Y merecen todo el respeto y aclamación que recibieron. No hay duda. Pero yo crecí con Little Richard. Y él fue mi predecesor. Me dio la energía que necesitaba. Me enseñó cosas que no habría sabido sin él. Por eso pienso en él de manera distinta. John llegó después de mí. No es lo mismo. Los reconozco de manera diferente.

P: Honras a muchos artistas grandiosos en tus canciones. Mencionas a Don Henley y Glenn Frey en “Murder Most Foul”, lo cual me pareció sorprendente. ¿Qué canciones de los Eagles disfrutas más?

R: “New Kid in Town”, “Life in the Fast Lane”, “Pretty Maids All in a Row”. Esa podría ser una de las mejores canciones de la historia.

El presidente Barack Obama otorga a Bob Dylan la Medalla Presidencial de la Libertad en la Casa Blanca en Washington el 29 de mayo de 2012. (Luke Sharrett/The New York Times)
El presidente Barack Obama otorga a Bob Dylan la Medalla Presidencial de la Libertad en la Casa Blanca en Washington el 29 de mayo de 2012. (Luke Sharrett/The New York Times)

P: También te refieres a Art Pepper, Charlie Parker, Bud Powell, Thelonious Monk, Oscar Peterson y Stan Getz en “Murder Most Foul”. ¿Cómo te ha inspirado el jazz como compositor y poeta en tu larga carrera?

R: Quizá deba mencionar las primeras grabaciones de Miles en Capitol Records. ¿Pero qué es el jazz? ¿Dixieland, bebop, high-speed fusion? ¿Qué es el jazz para nosotros? ¿Es Sonny Rollins? Me gusta el trabajo de Sonny con el calypso, ¿pero es jazz? Jo Stafford, Joni James, Kay Starr… creo que todos eran cantantes de jazz. King Pleasure, esa es mi idea de un cantante de jazz. No sé; puedes poner cualquier cosa en esa categoría. El jazz data de la década loca de 1920. A Paul Whiteman le decían el rey del jazz. Estoy seguro de que, si le hubieras preguntado eso a Lester Young, no habría sabido de qué estás hablando.

¿Eso me ha inspirado? Claro, quizá mucho. Ella Fitzgerald me inspira como cantante. Oscar Peterson me inspira como pianista, desde luego. ¿Me han inspirado como compositor? Sí, como “Ruby, My Dear” de Monk. Esa canción me inspiró a tomar la misma dirección. Recuerdo que la escuchaba una y otra vez.

P: ¿Qué papel desempeña la improvisación en tu música?

A: Ninguno. No hay manera en que puedas cambiar la naturaleza de una canción una vez que la inventaste. Puedes poner distintos patrones de guitarra o piano en las líneas estructurales y partir de ahí, pero esa no es improvisación. La improvisación te expone a actuaciones buenas o malas, y la idea es ser constante. Básicamente tocas lo mismo una y otra vez de la manera más perfecta que puedas.

P: “I Contain Multitudes” tiene partes sorprendentemente autobiográficas. Los últimos dos versos expresan un estoicismo agresivo, mientras que el resto de la canción es una confesión cómica. ¿Te divertiste lidiando con los impulsos contradictorios de ti y de la naturaleza humana en general?

R: No tuve que lidiar mucho con eso. Es el tipo de situación en la que acumulas versos de flujo de conciencia y después lo dejas así para pulirlo todo. En esa canción, los últimos versos se escribieron primero. Así que esa era la dirección de la canción desde el principio. Obviamente, el motor de la canción es la frase que la titula. Es una de esas cosas que escribes por instinto, como un estado de trance. La mayoría de mis canciones recientes son así. La letra es lo verdadero, lo tangible; no son metáforas. Las canciones parecen conocerse, y saben que puedo cantarlas, vocalmente y rítmicamente. Casi se escriben solas y cuentan conmigo para cantarlas.

P: Charlie Sexton comenzó a tocar contigo algunos años en 1999 y regresó en 2009. ¿Qué lo vuelve un músico especial? Es como si ustedes dos pudieran leerse la mente.

R: Charlie puede leer la mente de todos. Sin embargo, crea canciones y las canta también, y puede tocar la guitarra mejor que nadie en la banda. Charlie parece ser parte de todas mis canciones, y siempre ha tocado muy bien conmigo. “False Prophet” es solo una de tres canciones estructurales de doce barras en este álbum. Charlie es bueno en todas las canciones. No es un guitarrista presumido, aunque podría serlo si así lo quisiera. Es muy controlado con su instrumento, pero puede ser explosivo cuando quiere. El suyo es un estilo clásico, muy tradicional. Encarna las canciones en vez de atacarlas. Siempre ha hecho eso conmigo.

P: ¿Cómo has pasado el último par de meses refugiado en Malibú? ¿Has podido soldar o pintar?

R: Sí, un poco.

P: ¿Puedes ser musicalmente creativo mientras estás en casa? ¿Tocas el piano y creas cosas en tu estudio privado?

R: Eso casi siempre lo hago en habitaciones de hotel. Una habitación de hotel es lo más cercano que tengo a un estudio privado.

P: ¿Tener el océano Pacífico en tu patio te ayuda a procesar la pandemia de la COVID-19 de manera espiritual? Hay una teoría llamada “mente azul”, la cual señala que vivir cerca del agua es una cura para la salud.

R: Sí, también lo creo. “Cool Water”, “Many Rivers to Cross”, “How Deep Is the Ocean”. Cuando escucho cualquiera de esas canciones, siento es una cura… no sé de qué, pero una cura para algo que ni siquiera sabía que sufría. Es como una sanación. Es como algo espiritual. El agua es algo espiritual. Jamás había escuchado eso de “mente azul”. Suena a que podría ser algún tipo de canción lenta de “blues”, algo que escribiría Van Morrison. Quizá ya escribió algo así; no lo sé.

P: No fue agradable enterarse de que, justo cuando la obra ”Girl From the North Country”, que cuenta con tu música, obtenía excelentes reseñas, la producción tuvo que suspenderse debido a la COVID-19. ¿Has visto la obra o visto una grabación de la obra?

R: Claro, ya la vi, y me conmovió. La vi como espectador anónimo, no como alguien que tenía algo que ver con la producción. Simplemente dejé que ocurriera. La obra me hizo llorar al final. Ni siquiera sé por qué. Cuando bajó la cortina, quedé impactado de verdad. Qué mal que Broadway haya cerrado, porque quería verla de nuevo.

P: ¿Piensas en esta pandemia en términos bíblicos, como una plaga que ha arrasado con las tierras?

R: Creo que es el precedente de algo que ocurrirá más tarde. Es una invasión, desde luego, y es generalizada, ¿pero bíblica? ¿Quizá te refieres a algún tipo de alerta para que la gente se arrepienta de sus pecados? Eso implicaría que el destino del mundo es algún tipo de castigo divino. La arrogancia extrema puede tener consecuencias desastrosas. Quizá estamos en el principio de la destrucción. Hay muchísimas maneras en que podemos procesar el virus. Creo que solo debemos dejar que siga su curso.

P: De todas tus composiciones, “When I Paint My Masterpiece” me ha parecido cada vez mejor a lo largo de los años. ¿Qué te hizo traerla de regreso a tus conciertos recientes?

R: También a mí me parece mejor ahora. Creo que esa canción tiene algo que ver con el mundo clásico, algo que está fuera del alcance, algún lugar en el que te gustaría estar más allá de tu experiencia, algo que es tan supremo y de primer nivel que jamás podrías volver a tu situación previa, pues has logrado lo impensable. Eso es lo que trata de decir la canción, y tendrías que ponerlo en ese contexto. No obstante, al decirlo, aunque sí pintes una obra maestra, ¿qué harás después? Pues, obviamente, tienes que pintar otra obra maestra. Así puede convertirse en un ciclo interminable, algún tipo de trampa. Pero la canción no dice eso.

P: ¿Cuál es el estado de tu salud? Parece que estás en muy buena condición física. ¿Cómo haces que la mente y el cuerpo funcionen en conjunto?

R: Esa es una gran pregunta, ¿no? ¿Cómo lo hacen las personas? La mente y el cuerpo van de la mano. Debe haber algún tipo de conciliación. Me gusta pensar que la mente es el espíritu y el cuerpo, la sustancia. No tengo idea de cómo se integran esas dos cosas. Simplemente trato de continuar en línea recta y seguir adelante, tener el mismo nivel.

Douglas Brinkley es catedrático Katherine Tsanoff Brown en Humanidades y profesor de Historia de la Universidad Rice. Es el autor de “American Moonshot: John F. Kennedy and the Great Space Race”.

Copyright: c.2020 The New York Times Company

El Kinto

El Kinto , también conocido como El Kinto Conjunto, fue una banda de rock uruguaya, cuyo periodo de actividad fue de 1967 a 1970. Fueron pioneros en la fusión del candombe con la música beat, en lo que se denominó candombe beat, y en cantar las canciones en español dentro de este género.

Los Malditos habían actuado asiduamente, antes de probar suerte en Argentina, en el mítico local uruguayo de la época Orfeo Negro. Desde fines de 1966, tras retornar a Uruguay ya con el nombre sustituido por The Knights —luego de la oportunidad desperdiciada en Argentina y de la grabación en Sondor— continuaron tocando en dicho local. Paralelamente, participaron en los «Conciertos Beat» con la siguiente formación: Walter Cambón y Eduardo Mateo en guitarras, Ernesto Soca en piano , Luis Sosa —sustituyendo a Carlos Castro— en batería y Miguel Mattos en bajo. En Orfeo Negro, usualmente se integraba Rubén Rada como invitado especial. En 1967 se retiró Ernesto Soca (KENCO para los San Marqueños) y, en su lugar, quedó formalmente Rada , lo que implicaba no solamente un cambio de músico, sino de instrumento —y posteriormente de estilo—, pues con este cambio el piano dejaba lugar a las tumbadoras.

Circa 1968 es un disco de la banda uruguaya El Kinto. Contiene grabaciones de entre 1967 y 1969 de canciones grabadas para playbacks para televisión, más otras tres canciones terminadas para un disco que no llegó a realizarse y dos editadas como simple en 1971. Fue publicado en vinilo por el sello Clave en 1977 . Las grabaciones habían sido recopiladas por el productor Carlos Píriz. El Kinto fue el primer conjunto pop en incorporar a su música instrumentos autóctonos, provenientes del candombe

Poco tiempo después de este cambio se produjo la salida de Miguel Mattos y, en su lugar, ingresó Antonio «Lobo» Lagarde como bajista, quien ya se entendía musicalmente con Mateo tras la experiencia como trío con Galletti en los «Conciertos Beat». Con esta formación tocarían un tiempo en el grupo «de Orfeo Negro». En ocasión del 1.er. Festival de Canción Beat y de Protesta (junio de 1967) adoptaron el nombre de El Kinto Conjunto (en alusión al quinteto y al instrumento percutivo de nombre «quinto» que integraba la sección de percusión). Posteriormente pasarían a ser conocidos sencillamente como «El Kinto».

Al tiempo, Lagarde se fue a Europa y, en su lugar, ingresó Urbano Moraes. Continuaron tocando en Orfeo Negro, básicamente canciones de The Beatles, Charles AznavourGilbert BecaudJoão Gilberto y algunas composiciones propias. Urbano Moraes enfatiza en la capacidad creativa y prolificidad de Mateo y Rada, así como en el importante papel que desempeñaban en el grupo. Por su parte, Nancy Charquero recuerda la época de El Kinto como la etapa más prolífica de Mateo.

Si bien la composición de la mayoría de las canciones correspondía al dúo Mateo-Rada, todos los integrantes de El Kinto compusieron. Además, era frecuente que se compusiera colectivamente a partir de ideas individuales y no siempre de obras acabadas. Estas ideas podían transformarse en canciones en las más diversas ocasiones: en los viajes del grupo en taxi de regreso a las casas de sus integrantes, en los descansos de media hora entre actuación y actuación en Orfeo Negro —momentos en que bajaban al sótano para redondear ideas—, etc. A nivel de arreglos musicales, también cada músico, además de encargarse específicamente de su instrumento, proponía ideas o cambios a los demás integrantes. Mateo, empero, tenía generalmente a su cargo los arreglos armónicos, particularmente los de las voces. La libertad era total excepto en los aspectos de, disciplina y rigurosidad, también vigilados por Mateo, a quien Urbano recuerda como de una personalidad dominante, exigente de un compromiso y entrega total a sus compañeros y respetado de manera natural, pues su dedicación para con el grupo y su inventiva musical —reconocida y admirada por los demás integrantes— resultaba contagiosa. Por otra parte, si en un punto alguien no resultaba «contagiado», el enojo de Mateo podía bastar para que reaccionara, en virtud de ese mismo respeto ganado por su profesionalismo —que más tarde en su carrera solista por momentos desaparecería completamente— y sus aptitudes musicales. Su autoridad en el grupo se basaba en su forma de proceder y no en algún tipo de pretensión de liderazgo. Luis Sosa recuerda:

Eduardo tenía las ideas muy claras. Él sabía exactamente cómo lo quería, qué es lo que quería. Y no te daba lugar a que hicieras las cosas mal. Él te decía. Sí te dejaba como músico, no te cortaba la creatividad, pero si eso que vos creabas no entraba dentro de ese marco del tema en especial, te lo decía, y si las cosas no salían bien, te gritaba.|

Príncipe azul

Eduardo MateoEl Kinto

Sueñas el principe azul
Nena chiquita eres tu
Luna de queso tendras
Donde la Luna Saldra
Aha. Aha, AhaSuenan las doce y tendras
Zapatitos de cristal
Principe azul ya vendra
Ratoncitos lo traeran
Aha. Aha, AhaCuando despiertes del sueño
Ya no tendrá Luna el cielo
Debes buscar ese beso
Ahaa.Sigue tu sueño mejor
Bosque encantado tendras
Junto al conejo, tambor…

Una película inspirada en Iron Maiden está en producción

Iron Maiden es una de las bandas que ha servido de inspiración para muchos grupos o personas. Por tal motivo se desarrolló una película colombiana relacionada con la banda titulada The Night Of The Beast (La noche de la bestia), dirigida por Mauricio Leiva Cock, Bejamin Figueroa y producida por Fidelio Films, por ahora se encuentra en producción, aquí te contamos los detalles.

Según el portal web Variety, la sinopsis describe: “Es un viaje urbano que sigue a dos adolescentes de Bogotá que intentan participar en el primer concierto de Iron Maiden en Colombia, un evento histórico que los fanáticos de la historia habían esperado durante tres décadas. Sin embargo, unos matones les roban las entradas de su sueño por ver a la banda”.

“Vargas y Chuki, los personajes principales, cruzan la ciudad en lo que parece un retrato muy amoroso de Bogotá que abarca tanto su belleza como su dureza. Esta es una comedia sincera sobre la amistad que propone nuevas narrativas que divergen de las historias que el mundo espera del cine colombiano”.

La película contará con pistas de Iron Maiden, junto con material de bandas colombianas como Vein, Agony, Masacre, Darknees y la Pestilencia.

Estereotipos metaleros

La película aborda el lado más humano y tierno del metal, con un poco de humor y prevaleciendo la amistad de ambos personas. Por ello ha recibido algunas críticas por la actitud de los personajes:

“Recibimos una nota después de un grupo de prueba de que los personajes principales deberían ser más duros y malos, lo que me molestó porque proviene de este prejuicio de que un ‘metalero’ tiene que ser esas cosas”, dijo Leiva-Cock

La imagen de los metaleros en la sociedad es sinónimo de fuerza, dureza, rebeldía y estos calificativos no son del todo ciertos pues hay muchos artistas metaleros que son personas humanas muy inteligentes y con sentimientos:

“Es un estereotipo que es profundamente falso. Trabajamos con muchos metaleros y es un gran grupo lleno de todo, pero especialmente de personas muy inteligentes y autodidactas. Esta necesidad de un personaje violento proviene de la idea de personajes violentos colombianos, mientras que la verdad es que no somos simplemente estos arquetipos”, continúo.

Política y música

El contexto del film se remota entre los años 90 ,fueron criticados por no abordar netamente los temas políticos acerca de la violencia durante el contexto, pero el enfoque se centra en la política de la cultura como una herramienta en contra de la violencia:

“También nos preguntaron por qué la película no era más política acerca de la violencia de esos años y eso no lo comprende. Para mí es mucho más político hablar sobre cómo la cultura, y específicamente la música, puede convertirse en esta herramienta contra la violencia, o en esta película específicamente, el valor de la amistad, posturas que no son intrínsecamente políticas, pero que tienen que ver con cómo comportarse el uno con el otro”.

La producción de la película ha tenido que detenerse debido a la coyuntura actual, pero pronto se retomaran las grabaciones y podremos disfrutarlo. Aquí te dejamos un extracto del concierto de Iron Maide en Colombia:

The Flaming Lips nos muestran una nueva forma para retomar los conciertos en vivo

The Flaming Lips se caracterizan por utilizar una burbuja de plástico para hacer Crowdsurfing en sus conciertos, el vocalista Wayne Coyne se mete adentro y comienza a conectar con el público. Este momento divertido es esperado por los fans, pero esta idea se ha extendido más lejos de lo creemos.

La banda estadounidense ofreció un recital para el programa de televisión The Late Show con Stephen Colbert. Hasta ahí no sería ninguna novedad. Sin embargo, lo curioso fue cómo brindaron el concierto.

Cuando la cámara enfoca a la banda podemos ver como todos los miembros están dentro de las burbujas gigantes. Sí, esa idea la trasladaron a su gente en plena pandemia de coronavirus y bajo las recomendaciones de la importancia de mantener el distanciamiento social.

La banda interpreto uno de sus clásicos, “Race for the Prize”, que forma parte de su disco The Soft Bulletin. En las imágenes, se pueden observar a cada uno de los músicos tocando sus instrumentos desde su propia burbuja, sin tener algún tipo de interacción entre ellos o contacto físico. De la misma forma, su público, disfruta del show sin contacto alguno con otra persona.

Esta propuesta fue la solución que encontró el grupo para poder presentarse en el programa que se emite por la cadena CBS en vivo y con público presente en el estudio de televisión. Ahora están en el centro de la atención mundial a partir de esta performance que quedará en la historia. Si aún no vista su actuación, por aquí te lo dejamos:

Desde que se inició la cuarentena, muchas bandas de rock y metal han estado activas brindando conciertos online. Sin embargo, ya se presentaron otras posibilidades para retomar los conciertos en vivo, por ejemplo: auto-conciertos, festivales con distanciamiento de dos metros y hasta trajes anti-coronavirus. Las experiencias son un poco extrañas, pero probablemente debamos adecuarnos a las opciones.

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Acerca de The Flaming Lips

Es una banda estadounidense de rock formada en Oklahoma City, Oklahoma en 1983. Instrumentalmente, su sonido contiene exuberantes arreglos de rock psicodélico de varias capas, pero líricamente sus composiciones muestran elementos del rock espacial. Es una banda estadounidense de rock formada en Oklahoma City, Oklahoma en 1983. Instrumentalmente, su sonido contiene exuberantes arreglos de rock psicodélico de varias capas, pero líricamente sus composiciones muestran elementos del rock espacial.