AC/DC: Así sonaría “Highway to Hell” si se hubiera grabado en los años ’50

¿Cómo sonaría Highway to Hell si fuera una canción de doo wop?

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26 MAY. 2021

Si “Highway to Hell” de AC/DC no fuera una canción de rock, también podría encajar dentro de un género como el doo wop de los ’50. ¿No te lo crees? Espera a ver este vídeo de Robyn Adele Anderson

Aunque es complicado imaginarnos cómo sonarían nuestros himnos favoritos de la historia del rock en un estilo o género distinto, lo bueno que tiene Internet es que te puedes encontrar de todo, como en este caso, el “Highway to Hell” cantado, en lugar de por Bon Scott o Brian Johnson con el resto de AC/DC a los instrumentos, por la elegante voz de Robyn Adele Anderson, una excelente música y creadora de contenido.

Y es que, de lo crudo y potente de la versión original, nos encontramos un tema completamente distinto, que podemos reconocer gracias a la letra y que nos devuelve a la América de los años ’50, tiempo antes de que los hermanos Young dieran con el riff más conocido de la historia del rock. Aún con todo, está versión de Anderson es una verdadera pasada.

Robyn Adele Anderson no para de cambiar himnos del rock

La red puede ser un altavoz muy potente para un artista si tiene el talento suficiente. Este ha sido el caso de Robyn Adele Anderson, cantante afincada en Nueva York con un increíble talento y, además, una elección de lo más curiosa tanto de temas como de estilo.

Y es que Adele Anderson puede coger cualquier canción, darle una vuelta y hacer, con ella, un viaje al pasado. Temas como el “Basket Case” de Green Day o el “B.Y.O.B” de System of a Down, adquieren un matiz diferente en su voz y, junto a una banda, generalmente de jazz, consigue provocar cambios como el que vas a ver a continuación y que te dejará con la boca abierta.

Todo comenzó cuando Adele conoció al colectivo musical Postmodern Jukebox y comenzó a colaborar con ellos haciendo esta clase de versiones. Poco a poco, la cantante fue ganando popularidad hasta que decidió que era el momento de emprender su carrera en solitario, abriéndose su propio canal de Youtube. Versiones de temas como “Smells Like Teen Spitit” y “Chop Suey” hicieron que, rápidamente, ganase más de medio millón de suscriptores en la red social así como más de 250 millones de visitas.

Además, la artista también sale de gira en directo tanto con el anteriormente mencionado Postmodern Jukebox como en solitario y ha llegado a actuar en varios programas de televisión. Para colmo, Robyn también es actriz y participa en varias obras de teatro que se realizan en Nueva York.

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Brian May se une a Generation Axe para una “Zappada Salvaje” de Bohemian Rhapsody

Brian May se asoció con una gran cantidad de guitarristas en línea a principios de esta semana para jugar con la canción de Queen, Bohemian Rapsody.

Ahora sigue la nota, pero escuchen, porque es BRUTAL

La actuación contó con Nuno Bettencourt de Generation Axe , Steve Vai , Zakk Wylde , Tosin Abasi de Animals As Leaders e Yngwie Malmsteen , y fue parte del especial de TV de AXS At Home And Social With Nuno Bettencourt & Friends .

El programa fue creado por AXS TV para recaudar fondos para la  iniciativa Crew Nation de la Fundación Music Forward , que está apoyando a los equipos de giras y locales que están luchando debido al bloqueo en la industria de la música debido a la pandemia de coronavirus.

También aparecieron en el programa Nancy Wilson de Heart , el baterista de Foo Fighters Taylor Hawkins, la cantante / compositora Liv Warfield, Julian Lennon y la cantante Gabriela.

Al presentar el espectáculo, Bettencourt dijo: “Hasta que los artistas podamos volver a casa a nuestro escenario, el 3 de agosto, con un poco de imaginación y mucha pasión, nuestros hogares se convertirán en nuestro escenario. 

“Espero que todos tengamos un seguro para propietarios de viviendas porque estamos quitando el techo del lugar”.Junto con la música, el programa de una hora de duración contó con entrevistas, anécdotas detrás de escena y más, lo que les dio a los fanáticos de la música un vistazo a las vidas de los artistas.

A 53 años de The Paper At the Gates of Dawn

Un 5 de agosto de 1967, se publica el primer álbum de la banda britanica Pink Floyd llamado ”The Piper At The Gates Of Dawn”. Este disco está considerado como uno de los primeros en explorar el rock psicodélico, junto con Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles, que fue grabado casi al mismo tiempo. Se le considera uno de los LP más influyentes de la escena del rock psicodélico del momento y lo que siguió.

Syd Barrett fue el compositor principal de la mayoría de los temas, pero los aportes de cada integrante de la banda fueron fundamentales. El álbum contiene letras caprichosas sobre el espacio, gatos, espantapájaros, gnomos, bicicletas y cuentos de hadas, acompañadas con secciones de música psicodélica de matices variados basados en blues, folk galés, lullabies (música clásica infantil inglesa) y experimentación sonica. El título del LP proviene de uno de los capítulos de un libro que Barrett leía de joven: The Wind In The Willows (El viento en los sauces), de Kenneth Grahame, en el que los personajes Rata y Topo se encuentran con el dios Pan, que representa la poderosa fuerza de la naturaleza, y que ayuda a los animales a encontrar una nutria perdida. En este álbum se aprecia el gusto de Barrett por las letras basadas en asociaciones mentales espontáneas, algo así como un viaje psicotrópico.

El disco cuenta con 11 canciones que van desde “Astronomy Domine”, la cual habla del espacio sideral que nos rodea y su inmensidad (“Jupiter and Saturn, Oberon, Miranda and Titania, Neptune, Titan, stars can frighten“) a canciones sobre gnomos (“Me gustaría contarte una historia // Sobre un hombre pequeño, si puedo // Un gnomo llamado Grimble Gromble“), pasando por todo un mundo en tan solo un LP.

Y ya que estoy, me gustaría decir, simplemente, que todo momento es bueno para escuchar Pink Floyd

13 de julio como el Día Mundial del Rock

El 13 de julio de 1985, más de 60 artistas presentaron Live Aid y Band Aid en dos estadios: Wembley, en Londres y el John F. Kennedy, en Filadelfia. El objetivo fue reunir fondos para la lucha contra el hambre en Etiopía.

Día Mundial del Rock y el recuerdo a 35 años del Live Aid - Radio Cantilo

Si pudiéramos armar “el show soñado”, probablemente muchas de las estrellas que se reunieron hace 35 años en este mega evento aparecerían. Hoy se festeja El Día Mundial del Rock & Roll debido a la realización del Live Aid. El megafestival de rock con sede en Londres y en Filadelfia, tuvo como fin recaudar fondos para la lucha contra el hambre en Etiopía.

Hablamos de dieciséis horas de música en dos estadios y la reunión de más de 50 estrellas del rock. El resultado económico significó cientos de millones de dólares de recaudación con 1.500 millones de espectadores en una maratón televisiva sin interrupciones. Aunque en 2020 nos parezca algo hecho hasta el cansancio, con el Live Aid la industria tomó consciencia del poder y convocatoria arrollador con el que contaban y por ende, lo mucho que podían torcer la historia. “Este festival pasó a la historia y dejó su huella quizás porque fue cuando la industria se dio cuenta que tenía un poder movilizador, y generador de cosas que podían apostarse a grandes cambios. Además, no surgió de una productora o una disquera, fue idea de un músico. Fue todo obra de Bob Geldof “

La tarde de Queen

El show de Queen quedó para la historia. Esos 23 minutos son recordados como lo mejor del festival. Quizás fue porque la banda entendió como pocos que contaban con esos minutos para salir a matar. Tocaron las que se sabían todos, de día, sin la ayuda de las luces, pero la banda tocó a full y Freddie estaba en el patio de su casa. La historia lo sostiene como uno de los mejores shows de todos los tiempos

Bono el salvador

U2 no era la banda que hoy conocemos. En una etapa emergente, su participación en Live Aid funcionó de catapulta y con muy pocas canciones. En medio de la ejecución de Bad, Bono notó que una chica se estaba ahogando en medio de la marea humana, y la rescató. Bailó con ella, retomó la canción y la banda nunca terminó el set programado, pero gracias al gesto humano y paternal de Bono el mini show quedó grabado en la memoria colectiva.

Una de las perlas del mega show en Filadelfia serían las reuniones de grupos separados desde hacía años: Crosby, Stills, Nash and Young, Black Sabbath, Duran Duran y Led Zeppelin. Los últimos se negaron a anunciarse como banda. Fueron Page, Plant y Jones. Para la batería llamaron a Tony Thompson que había tocado en el grupo Chic. También se les sumaría Phil Collins, pero llegaron sin ensayo, y el resultado no fue el esperado. 

Además de David Bowie y su siempre memorable ejecución, uno de los puntos altos de la jornada tuvo a un joven Elton Jonh de protagonista con Don’t go breaking my heart y se presentó a dúo con George Michael. 

El equipo de Bob:

Queen, Status Quen, The Style Council, The Boomtown Rats, Ultravox, Spandau Ballet, Elvis Costello, Nik Kershaw, Sade, Sting, Phil Collins, U2, Howard Jones, Bryan Ferry, Paul Young, Alison Moyet, Bryan Adams, The Beach Boys, David Bowie, The Pretenders, Madonna, Simple Minds, Dire Straits, Elton John, The Cars, Led Zeppelin, David Gilmour, Kenny Loggins, Wham!, Tears for Fears, Hall & Oates, Run DMC, George Thorogood & The Destroyers, Albert Collins, Bo Diddley, Black Sabbath, Ozzy Osbourne, Neil Young, The Who, INXS, Lionel Richie, Tom Petty & The Heartbreakers, Paul McCartney, Reo Speedwagon, Mick Jagger, Judas Priest, Duran Duran, Joan Baez, Tina Turner, Bob Dylan, Billy Ocean, Keith Richards, The Hooters, Ron Wood, Cliff Richard, Ashford & Simpson, Teddy Pendergrass, Thompson Twins, Steve Stevens, Nile Rodgers, Patti Labelle, Eric Clapton, B.B King, Crosby, Stills & Nash, Santana, The Power Station, Billy Joel, Paul Simon, Stevie Wonder, Waylon Jennings, Kris Kristofferson, Huey Lewis & The News, Boy George, The Temptations, Kool & the Gang.

BAD BRAINS – A BAND IN D.C. (USA 2012)

Gran documental sobre una de las bandas más grandes del rock norteamericano.
Cuando digo rock, es que creo que exceden al punk desde el punto de vista musical pero forman parte primordial de lo que puedo entender como cultura punk.
Para quienes no los conocen, 4 tipos de raza negra pasan de tocar covers de bandas funk a descubrir el punk y de ahi pasan a ser influencia del hardcore, del metal y de muchos subgéneros más.
Su conversión al rastafarismo, los problemas por discriminación, la estrafalaria vida de su cantante HR, todo eso y mucho más en este muy buen material.
Agradezco la colaboración de Mercedes Lini, Hernán Fuentes, Tais Capria y Buio Omega que tradujeron el documental.

El Kinto

El Kinto , también conocido como El Kinto Conjunto, fue una banda de rock uruguaya, cuyo periodo de actividad fue de 1967 a 1970. Fueron pioneros en la fusión del candombe con la música beat, en lo que se denominó candombe beat, y en cantar las canciones en español dentro de este género.

Los Malditos habían actuado asiduamente, antes de probar suerte en Argentina, en el mítico local uruguayo de la época Orfeo Negro. Desde fines de 1966, tras retornar a Uruguay ya con el nombre sustituido por The Knights —luego de la oportunidad desperdiciada en Argentina y de la grabación en Sondor— continuaron tocando en dicho local. Paralelamente, participaron en los «Conciertos Beat» con la siguiente formación: Walter Cambón y Eduardo Mateo en guitarras, Ernesto Soca en piano , Luis Sosa —sustituyendo a Carlos Castro— en batería y Miguel Mattos en bajo. En Orfeo Negro, usualmente se integraba Rubén Rada como invitado especial. En 1967 se retiró Ernesto Soca (KENCO para los San Marqueños) y, en su lugar, quedó formalmente Rada , lo que implicaba no solamente un cambio de músico, sino de instrumento —y posteriormente de estilo—, pues con este cambio el piano dejaba lugar a las tumbadoras.

Circa 1968 es un disco de la banda uruguaya El Kinto. Contiene grabaciones de entre 1967 y 1969 de canciones grabadas para playbacks para televisión, más otras tres canciones terminadas para un disco que no llegó a realizarse y dos editadas como simple en 1971. Fue publicado en vinilo por el sello Clave en 1977 . Las grabaciones habían sido recopiladas por el productor Carlos Píriz. El Kinto fue el primer conjunto pop en incorporar a su música instrumentos autóctonos, provenientes del candombe

Poco tiempo después de este cambio se produjo la salida de Miguel Mattos y, en su lugar, ingresó Antonio «Lobo» Lagarde como bajista, quien ya se entendía musicalmente con Mateo tras la experiencia como trío con Galletti en los «Conciertos Beat». Con esta formación tocarían un tiempo en el grupo «de Orfeo Negro». En ocasión del 1.er. Festival de Canción Beat y de Protesta (junio de 1967) adoptaron el nombre de El Kinto Conjunto (en alusión al quinteto y al instrumento percutivo de nombre «quinto» que integraba la sección de percusión). Posteriormente pasarían a ser conocidos sencillamente como «El Kinto».

Al tiempo, Lagarde se fue a Europa y, en su lugar, ingresó Urbano Moraes. Continuaron tocando en Orfeo Negro, básicamente canciones de The Beatles, Charles AznavourGilbert BecaudJoão Gilberto y algunas composiciones propias. Urbano Moraes enfatiza en la capacidad creativa y prolificidad de Mateo y Rada, así como en el importante papel que desempeñaban en el grupo. Por su parte, Nancy Charquero recuerda la época de El Kinto como la etapa más prolífica de Mateo.

Si bien la composición de la mayoría de las canciones correspondía al dúo Mateo-Rada, todos los integrantes de El Kinto compusieron. Además, era frecuente que se compusiera colectivamente a partir de ideas individuales y no siempre de obras acabadas. Estas ideas podían transformarse en canciones en las más diversas ocasiones: en los viajes del grupo en taxi de regreso a las casas de sus integrantes, en los descansos de media hora entre actuación y actuación en Orfeo Negro —momentos en que bajaban al sótano para redondear ideas—, etc. A nivel de arreglos musicales, también cada músico, además de encargarse específicamente de su instrumento, proponía ideas o cambios a los demás integrantes. Mateo, empero, tenía generalmente a su cargo los arreglos armónicos, particularmente los de las voces. La libertad era total excepto en los aspectos de, disciplina y rigurosidad, también vigilados por Mateo, a quien Urbano recuerda como de una personalidad dominante, exigente de un compromiso y entrega total a sus compañeros y respetado de manera natural, pues su dedicación para con el grupo y su inventiva musical —reconocida y admirada por los demás integrantes— resultaba contagiosa. Por otra parte, si en un punto alguien no resultaba «contagiado», el enojo de Mateo podía bastar para que reaccionara, en virtud de ese mismo respeto ganado por su profesionalismo —que más tarde en su carrera solista por momentos desaparecería completamente— y sus aptitudes musicales. Su autoridad en el grupo se basaba en su forma de proceder y no en algún tipo de pretensión de liderazgo. Luis Sosa recuerda:

Eduardo tenía las ideas muy claras. Él sabía exactamente cómo lo quería, qué es lo que quería. Y no te daba lugar a que hicieras las cosas mal. Él te decía. Sí te dejaba como músico, no te cortaba la creatividad, pero si eso que vos creabas no entraba dentro de ese marco del tema en especial, te lo decía, y si las cosas no salían bien, te gritaba.|

Príncipe azul

Eduardo MateoEl Kinto

Sueñas el principe azul
Nena chiquita eres tu
Luna de queso tendras
Donde la Luna Saldra
Aha. Aha, AhaSuenan las doce y tendras
Zapatitos de cristal
Principe azul ya vendra
Ratoncitos lo traeran
Aha. Aha, AhaCuando despiertes del sueño
Ya no tendrá Luna el cielo
Debes buscar ese beso
Ahaa.Sigue tu sueño mejor
Bosque encantado tendras
Junto al conejo, tambor…